Как называется стиль рисования одним цветом

7 основных стилей живописи которые нужно знать каждому

Частью радости живописи в 21 веке является широкий спектр доступных форм самовыражения. В конце 19-го и 20-го веков художники сделали огромные скачки в стилях живописи. Многие из этих нововведений были вызваны технологическими достижениями, такими как изобретение металлической трубки для краски и эволюция фотографии, а также изменениями в социальной среде, политике и философии наряду с мировыми событиями.

Этот список содержит семь основных стилей искусства (иногда называемых «школами» или «движениями»), некоторые из которых гораздо более реалистичны, чем другие.

1. Реализм

Реализм, в котором предмет картины выглядит во многом как реальная вещь, а не стилизован или абстрагирован, — это стиль, который многие люди считают «истинным искусством». Только при ближайшем рассмотрении то, что кажется сплошным изображением, обнаруживается как серия мазков кисти многих цветов и значений.

Реализм был доминирующим стилем живописи со времен Ренессанса. Художник использует перспективу для создания иллюзии пространства и глубины, устанавливая композицию и освещение таким образом, чтобы предмет казался реальным. Классический пример этого стиля — «Мона Лиза» Леонардо да Винчи.

2. Живописный стиль

Живописный стиль появился, когда промышленная революция охватила Европу в первой половине XIX века. Освобожденные изобретением металлической трубки для краски, которая позволяла художникам выходить за пределы мастерской, художники стали сосредоточиваться на самой живописи. Сюжеты были изображены реалистично, однако художники не пытались скрыть свою техническую работу.

Как следует из названия, акцент делается на самом акте живописи: характере работы кистью и самих пигментах. Художники, работающие в этом стиле, не пытаются скрыть то, что было использовано для создания картины, сглаживая текстуру или следы, оставленные в краске кистью или другим инструментом, например мастихином. Картины Анри Матисса являются прекрасными образцами этого стиля.

3. Импрессионизм

Импрессионизм возник в 1880-х годах в Европе, где такие художники, как Клод Моне, стремились запечатлеть свет не через детали реализма, а с помощью жеста и иллюзии. Вам не нужно подходить слишком близко к водяным лилиям Моне или подсолнухам Винсента Ван Гога, чтобы увидеть смелые штрихи цвета, однако нет никаких сомнений в том, на что вы смотрите. Объекты сохраняют свой реалистичный внешний вид, но при этом обладают особой живостью, присущей этому стилю. Трудно поверить, что когда импрессионисты впервые показывали свои работы, большинство критиков ненавидели и высмеивали их. То, что тогда считалось незаконченным и грубым стилем живописи, теперь любимо и почитаемо.

4. Экспрессионизм и фовизм

Экспрессионизм и фовизм-это схожие стили, которые начали появляться в студиях и галереях на рубеже 20-го века. Оба они характеризуются использованием смелых, нереалистичных цветов, выбранных не для того, чтобы изобразить жизнь такой, какая она есть, а скорее, как она ощущается или представляется художнику.

Эти два стиля отличаются в некоторых отношениях. Экспрессионисты, в том числе Эдвард Мунк, стремились передать гротеск и ужас в повседневной жизни, часто с помощью гипер-стилизованных мазков и ужасающих образов, таких, как он использовал для большого эффекта в своей картине «Крик».

Фовисты, несмотря на их новое использование цвета, стремились создать композиции, которые изображали бы жизнь в идеализированной или экзотической природе. Вспомните веселых танцовщиц Анри Матисса или пасторальные сцены Жоржа Брака.

5. Абстракционизм

По мере того как первые десятилетия XX века разворачивались в Европе и Америке, живопись становилась все менее реалистичной. Абстракция заключается в том, чтобы изобразить сущность предмета так, как его интерпретирует художник, а не видимые детали. Художник может свести предмет к его доминирующим цветам, формам или узорам, как это сделал Пабло Пикассо со своей знаменитой фреской трех музыкантов. Исполнители, все эти резкие линии и углы, ни в малейшей степени не выглядят настоящими, и все же нет никаких сомнений, кто они такие.

Или же художник может изъять предмет из контекста или увеличить его масштаб, как это сделала Джорджия О’Кифф в своей работе. Ее цветы и ракушки, лишенные мелких деталей и плавающие на абстрактном фоне, могут напоминать мечтательные пейзажи.

6. Абстрактный стиль

Чисто абстрактное творчество, как и большая часть абстрактного экспрессионистского движения 1950-х годов, активно избегает реализма, упиваясь объятиями субъективного. Предмет или точка картины — это используемые цвета, текстуры в произведении искусства и материалы, используемые для его создания.

Капельные картины Джексона Поллока могут показаться некоторым гигантским беспорядком, но нельзя отрицать, что фрески, такие как «Номер 1», имеют динамическое, кинетическое качество, которое удерживает ваш интерес. Другие художники-абстракционисты, такие как Марк Ротко, упрощали свою тему до самих цветов. Цветовое поле работает так же, как его шедевр 1961 года «Оранжевый, красный и желтый» — это просто три блока пигмента, в которых вы можете потерять себя.

7. Фотореализм

Фотореализм развился в конце 1960-х и 70-х годах в ответ на абстрактный экспрессионизм, который доминировал в искусстве с 1940-х гг. Этот стиль часто кажется более реальным, чем реальность, где ни одна деталь не упущена и ни один недостаток не является незначительным.

Некоторые художники копируют фотографии, проецируя их на холст, чтобы точно запечатлеть точные детали. Другие делают это от руки или используют сеточную систему для увеличения печати или фотографии. Один из самых известных фотореалистичных художников — Чак Клоуз, чьи фрески размером с голову коллег-художников и знаменитостей основаны на моментальных снимках.

А какой стиль в живописи ваш любимый или просто нравится вам больше всего, а какой нет? Очень хотелось бы услышать ваше мнение!

Спасибо что дочитали до конца, если вам понравился материал, ставьте лайки и подписывайтесь на канал, чтобы ваша лента Дзен наполнялась интересными вам статьями!☺️

Хорошего вам настроения, оставайтесь дома и проводите время с пользой, тем более сейчас его стало намного больше!

Источник

Стиль рисования одним цветом

Что и как называется в рисовании: разбираемся в терминологии.

Но до словаря терминов тоже нужно дозреть, ведь всё начинается с простых рисунков на бумаге карандашом, с самостоятельных попыток нарисовать что-либо. Вот и получается, что такие вопросы, как: “а завтра будет натюрморт или живопись?” или “рисуем рисунок красками или карандашом?” случаются. Разбираемся постепенно.

1) Изобразительное искусство в целом подразделяется на ОСНОВНЫЕ ВИДЫ ИСКУССТВА.

2). Всё изобразительное искусство, вне зависимости от вида, классифицируется по ЖАНРАМ.
Основные жанры изобразительного искусства:

а) портрет (изображение людей и лиц);

б) натюрморт (изображение предметов);

в) пейзаж (изображение природы);

г) абстракция (беспредметное искусство);

д) анималистический жанр (изображение животных);

е) сюжет (сценка с изображением нескольких взаимосвязанных фигур людей);

ж) обнажённая модель (изображение нагого тела);

з) смешанный жанр (синтез двух или нескольких жанров, например, фигура в пейзаже).

Основные стили в искусстве:

Основные направления в искусстве:

4). По назначению изобразительное искусство тоже подразделяется на отдельные группы и подгруппы. Чтобы не перегружать читателя информацией (статья всё-таки обзорная) остановлюсь только на живописи и графике, минуя остальные пластические виды искусства. Если нужно больше информации, или что-то конкретное, добро пожаловать в словарь художественных терминов (см. архитектура, скульптура, декоративно-прикладное искусство и другое).

Итак, живопись бывает:

— фреска, т.е. не картина, а монументальная живопись;

— миниатюра (соответственно, произведение живописи малого размера), обычно это иллюстрация или миниатюрный портрет;

— театральная живопись (декорации в театре).

Графика подразделяется на оригинальную (рисунок) и печатную (гравюра).

4) Это станковая графика, то есть выполненная не в качестве иллюстрации, не как прикладное украшение, а для экспонирования в выставочном зале или музее и как предмет коллекционирования. Это подтверждает небольшой размер графических листов.

Если вам понравилась эта статья, сделайте следующее:

2. Поделитесь этим постом с друзьями в социальных сетях или своём блоге.

3. И конечно же, оставьте свой комментарий ниже 🙂

Екатерина Крюкова(Пилипенко) — художник-педагог во втором поколении, член Союза художников России, член Международной Федерации Искусств UNESCO, участник и лауреат многочисленных выставок в России и за рубежом. Подробнее можно прочитать нажав на этот текст>>>

Рисунок одной линией

Художники используют эту технику давно. У каждого присутствует фирменный стиль, отличающийся от других. Одни выбирают хаотичную линию, которую, возможно, не сразу можно рассмотреть. Другие выбирают минималистичный стиль, их линия легкая и плавная.

Даже самый сложный рисунок, нарисованный данным способом, выглядит оригинально, легко и минималистично. Из подобных рисунков делают различные принты, которые наносят на аксессуары, одежду, мебель и т.д. Они с легкостью вписываются в интерьер практически любой стилистики. Рисунок одной линией станет единым целым с комнатой, в которой будет находиться.

Автором цикла «Рисунки одной линией» является Николай Седнин. Его идея заключалась в четкой передаче изображения человека при помощи линии. В 1996 году опубликовали книгу «Рисунки одной линией», в которую вошли 40 работ Николая Седнина.

Линия может пересекаться, но никогда не оборвется.

Художники одной линии

Дэвид Халангел-Лейк

Новатором в данном направлении стал Дэвид Халангел-Лейк. Он живет в Лондоне и вот уже 20 лет занимается иллюстрацией и дизайном. Начинал он свою карьеру еще в 1998 году. Сейчас его работы вдохновляют многих веб-дизайнеров. Используя «рисунок одной линией» в создании логотипов, можно с легкостью передать необходимый смысл, но при этом оставить легкость и минималистичность логотипа.

Винс Лоу

Художник Винс Лоу использовал такой способ рисования в цикле картин «Лица». Его работы отличаются от других рисунков, сделанных одной линией. Художнику очень важно передать эмоции и характер человека. Портреты выглядят реалистично, передают эмоции изображенных персонажей и заражают ими. Однако данный цикл работ бы создан не просто так. Винс Лоу сделал их в поддержку больных дислексией, из-за этой болезни у детей появляются трудности в чтении и письме. Художник знаком с данными проблемами, так как в детстве сам часто комплексовал из-за проблем с обучением в школе. Несмотря на комплексы, он стал дизайнером-иллюстратором, а после успешным арт-директором. Своими картинами он говорит, что независимо от окружающего хаоса, каждый может увидеть в нем что-то прекрасное. Именно одной хаотически направленной и преломленной линией Винс Лоу изобразил хаос.

Джо-Кабесас

Джо-Кабесас помимо рисования, занимается тату. Возможно, именно это хобби привело его к мысли о создании картин, нарисованных одной линией. Джо-Кабесас смело относится к искусству, он не боится, что изображения на его картинах будут неузнаваемыми, поэтому рисует не только портреты знаменитостей, но и обыденные вещи.

Сергей Стоппель

Cергей Стоппель отличается от других представленных здесь художников, хотя бы тем, что он не является художником. Сергей занимается тем, что пишет математические компьютерные алгоритмы. Он вдохновился работами других компьютерных художников, таких как Георг Нис и Фредер Нейк. Именно они стали первооткрывателями в рисовании на плоттерах. Сергей Стоппель написал алгоритм, который принимает изображение и переводит его в одну линию. Он разбирается в цвете рисунка, свете и тенях. В результате получается рисунок нарисованный хаотичной, тонально точной одной линией.

Цвет для художника. Практическое руководство.

Часть первая: Дополнительные цвета и цветовой круг

Каждому художнику следует знать о существовании такой вещи как цветовой круг. Может он на вид и неказист, но может оказаться серьезным подспорьем в подборе цвета. Стоит запомнить несколько простых правил.

1. Правило третей.
Разбейте круг на трети, неважно, вдоль каких линий. Цвета в каждом из получившихся секторов будут хорошо сочетаться в композиции. То есть вы можете начать с красного и дойти до оранжево-желтого справа или фиолетово-синего слева. Это правило пригодится, если вы будете рисовать что-то, словно бы имеющее однородный цвет (как вот эта «черная» крыса на рисунке), но захотите разнообразить рисунок, изменяя цвет и текстуру. Настоящая крыса была черной. Но я использовал едва заметные оттенки синего, фиолетового и багряно-красного, чтобы придать цвету насыщенность и глубину. Как видите, вовсе не нужно применять сверхнасыщенные цвета, чтобы достичь желаемого эффекта. Цветовой круг поможет вам выбрать правильное направление, а вы уж можете экспериментировать с интенсивностью. Хотя стоит оставаться последовательным в этом плане.

2. Дополнительные цвета.
Диаметрально противоположные цвета цветового круга являются дополнительными цветами. Для наглядности можете положить поперек круга линейку. Так, зеленый цвет будет дополнительным для красного. Зачем нам это знать?

Не ограничивайтесь только одним правилом. Например, когда подбираете оттенки фиолетового на рисунке ниже, можете воспользоваться первым правилом, чтобы добавить красноватые и синеватые оттенки.

Часть вторая: Насыщенность и контраст.

Лично я предпочитаю приглушенные, не очень насыщенные цвета. Но это только мои предпочтения. В общем, чем более насыщенны цвета и чем больше контраст, тем ярче и четче должны быть линии и формы. На рисунке одна и та же текстура, но с разной насыщенностью и контрастом. Чем ближе эти цвета к чистому красному и зеленому, тем виднее каждый мазок кисти. Если вы используете в своих работах яркие контрастные цвета и четкие линии (например, занимаетесь графическим дизайном), такие резкие формы будут на своем месте. Реалистичные текстуры выглядят лучше с меньшей насыщенностью и контрастом, если в меру применять темные тени и яркие светлые участки.

Часть третья: «Холодные» и «теплые» цвета.

Часть четвертая: Цвет и настроение картины.

В этой области правил, которым нужно беспрекословно следовать, нет в принципе. Но если вы захотите задать настроение картины в первую очередь с помощью цвета, то стоит продумать цветовую схему. Один или два цвета будут пропитывать всю картину. На рисунке ниже, я пользовался в основном зеленым и синим цветом, иногда применяя грязно-желтый для акцента. Я выбрал цвета, придающие чувство заброшенности, потерянности и холодного осеннего дня.

Часть пятая: Глубина и атмосферная перспектива.

Еще одно замечание. Атмосферная глубина не заменит традиционных методов создания перспективы. Она лишь позволит усилить эффект.

Часть шестая: Подводные камни.

С помощью цвета можно достичь многого. Но есть некоторые моменты, когда цвет не позволяет получить желаемого эффекта.

Спасибо, что прочитали. Надеюсь, это вам пригодится.

Современный рисунок: основные тенденции.

Итак, постараюсь выделить некоторые особенности современного рисования (сконцентрирую внимание на графике, но современной живописи это тоже касается). Сразу оговорюсь, что это моё субъективное мнение, сформированное из собственного опыта, образования, насмотренности. Если вы считаете, что можно что-то добавить или убавить, приглашаю к разумному диалогу в комментариях.

2). Эскизность, лёгкость проработки.

3). Повышенная детализация.

4). Усиленная материальность.

Стекло выглядит глянцево-стеклянным, с перечислением и усилением всех бликов и прозрачных теней, металл отражает всё вокруг, нередко включая и самого художника или совершенно случайные детали, штрихи имитируют переплетения ткани и т. д.. Просто объём в пространстве уже никого не интересует и даже если передача материальности не является основной задачей художника, она почти всегда ярко выражена. Из-за этого иногда нарушается плановость в рисунках художников-самоучек, но это уже не имеет значения. Подобное карандашное мистификаторство особенно ценится любителями гиперреализма и псевдоакадемизма.

5). Эстетизм важнее идеи.

Да, некоторые современные художники отказываются от реалистической трактовки изображения (никогда такого не было!), вместо умелой стилизации уделяют внимание отдельно взятый элементам: линиям, штрихам, характеру пятна. Каждый штрих и мазок в таких рисунках старается быть красивым, эстетичным, что нередко мешает основной задумке рисунка и тем более усложняет его восприятие зрителем. Рисование ради рисования, некое самолюбование художника и демонстрация “а я ещё и вот так могу” выходят на первый план.

6). Обилие фактур и эффектов.

7). Много внимания авторскому стилю и узнаваемой манере рисования.

8). Утрированный формат (очень большой или очень маленький).

Отказ от традиционного стандартного формата уже делает рисунок необычным и привлекательным. А если к нему добавить ещё и всё вышеперечисленное, то от недостатка зрительского внимания ни он, ни художник его создавший, точно страдать не будет. Мастеровитость, в смысле тщательность и трудоёмкость исполнения (рисование под микроскопом или погонными метрами) выделяет из ряда просто талантливых. Содержание не имеет значения, основное внимание в современном рисовании уделяется форме исполнения. К тому же на фоне гигантских рисунков так удобно делать селфи, а это дополнительная реклама))).

9). Фрагментарность композиции.

10). Сюжет тоже имеет значение, особенно в коммерческом искусстве.

К примеру, совсем исчезли традиционные жанровые изображения (картины и станковые графические листы). В приоритете у рисовальщиков натюрморт (предметы), пейзаж (особенно городской и индустриальный), портрет. Думаю, что это происходит во-первых, потому, что такие сюжеты понятны простому обывателю, не придётся долго объяснять, что хотел сказать художник, а во-вторых, они самые коммерчески популярные. Спрос диктует предложение в данном случае.

Художник: Joseph G Loccisano. Его инстаграм: https://www.instagram.com/loccisj/

Если вам понравилась эта статья, сделайте следующее:

2. Поделитесь этим постом с друзьями в социальных сетях или своём блоге.

3. И конечно же, оставьте свой комментарий ниже 🙂

Выбираем художественные стили рисования

Рисование — основа многих творческих практик, оно играет важную роль в жизни людей разных профессий от архитекторов до модельеров, аниматоров и художников. Даже используя только лист бумаги, ручку или карандаш, возможности для самовыражения безграничны. И с помощью различных методов создания рисунков, не удивительно, что рождаются новые способы, позволяющие любому всесторонне проявить себя.

Существует бесчисленное множество стилей, которые необходимо изучить и исследовать. Каждый из них по-своему передаёт и отображает на бумаге всё, что рисует фантазия и вдохновение. Естественно, разные виды иллюстрации требуют от художника-иллюстратора особых усилий. Некоторые из них достаточно детализированы и дотошны, требуют большого терпения, в то время как с другими работать легко, и тогда художник свободен в своём творческом порыве.

Самые опытные иллюстраторы не ограничиваются одним типом зарисовок, а свободно экспериментируют, чтобы развить свои навыки. Конечно, они могут специализироваться на каком-то одном конкретном способе рисования, но, будучи гибкими в своей работе, смогут проверить различные стили рисования, извлекая пользу из уроков и практики в своей основной работе. Например, Леонардо да Винчи нам известен как создатель признанного во всём мире шедевра «Мона Лиза», но он также был знаменит тем, что заполнял сотни записных книжек изысканными законченными эскизами и спонтанными каракулями.

Найдите свой стиль рисования

Когда хотите создать свой собственный личный стиль, подумайте о том, чтобы играя с формами и создавая новые эксперименты в работе над рисунком, вы сумели понять, какое положительное влияние они окажут на ваш творческий рост.

В то время как линии формируют основу всех стилей рисования, линейные чертежи используют контуры без затенения для создания запоминающихся эскизов. Если вы действительно хотите применить свои навыки, попробуйте непрерывный линейный рисунок. В этом упражнении ручка или карандаш никогда не покидают лист бумаги, поэтому конечный результат формируется из одной единственной строки.

Чиркающий

Хотя мы можем думать о рисовании, как о бессмысленном прошлом времени, это упражнение станет прекрасным способом позволить вашему подсознанию уводить вас в свой мир иллюзий и воображений. Великие художники, такие как Леонардо да Винчи, известны своими каракулями, которые заполняли поля его записных книжек. Бельгийский режиссёр и иллюстратор Винсент Баль играет с тенями и формами, которые находит в повседневной жизни, и превращает их в причудливые произведения искусства при помощи ручки и карандаша. Предназначенные для быстрого выполнения и с простыми, четкими линиями, каракули являются прекрасными, непосредственными впечатлениями от нашего восприятия мира.

Мультфильм

Мультфильмы имеют долгую историю, восходящую к печатным журналам в 19 веке, когда они использовались в качестве сатирических и комических иллюстраций. Мультяшная иллюстрация представлена как большая категория, эволюционировавшая с течением времени. Некоторые различные стили мультфильмов включают карикатуру, аниме или мангу, и, конечно, классический Disney. Игра с мультяшными рисунками означает освобождение себя от гиперреалистических представлений, всё еще пытаясь захватить сущность фигуры в полуреалистичной манере.

Пуантилизм

Хотя мы часто ассоциируем пуантилизм с постимпрессионистскими картинами Жоржа Сера, это техника и стиль, которые также хорошо работают для рисования. Вычерчивая сотни или даже тысячи крошечных точек, художники способны создавать свет и тень. Результаты часто могут быть шокирующе реалистичными, когда зрители только понимают, что точки, а не линии, использовались, когда они внимательно смотрели на готовое произведение искусства.

Фотореализм/гиперреализм

Для художников, работающих в фотореалистическом или гиперреалистическом стиле рисования, терпение является ключевым. Сотни часов можно провести перед любым произведением искусства, чтобы отполировать его до уровня, на котором оно выглядит как фотография. Хотя портретная живопись является популярной темой для гиперреалистических рисунков, вам не нужно ограничивать себя. Например, художник Cj Hendry использует цветной карандаш, чтобы нарисовать красочные пятна на краске, которые выглядят настолько реальными, что вы захотите окунуть в них свою кисть.

Анаморфотный

Еще один технический стиль, 3D-чертежи требуют овладения перспективой для создания глубины и иллюзии. Хотя это может занять некоторую долю практики, чтобы получить результаты потрясающие и удивительные от произведения искусства, которые будут радовать зрителей. Для необычных анаморфотных рисунков есть много отличных учебных пособий по рисованию YouTube, которые могут помочь новичкам освоить этот стиль.

Street Painting — уникальные 3D рисунки на асфальте

Современная городская живопись представлена уникальным стилем 3D реалистичных рисунков на асфальте. Эта уличная живопись популярна настолько, что такие картинки мы можем созерцать и на других всевозможных поверхностях, в частности, на стенах домов, на заборах и даже нарисованных мелом на полу.

В России тоже создают супер-реалистичные 3D-рисунки на асфальте.

А какой из стилей выбираете вы?

Источник