Как рисовать импрессионизм гуашью

Импрессионизм: уроки света и цвета

Импрессионизм сейчас очень в чести, а для тех, кто начинает рисовать во взрослом возрасте — это просто находка, картины в этом стиле получаются практически у всех. Само слово импрессионизм произошло от французского impressionnisme, impression — впечатление. И это понятие отлично характеризует наш стиль. Зародился импрессионизм в 1860-х годах. Его родина — Франция. А затем и всю Европу поглотило это новое направление живописи. А вот и та самая знаменитая картина Клода Моне, с которой все началось. Она так и называется — «Впечатление. Восходящее солнце» и была показана в 1874 на первой выставке импрессионизма.

Клод Моне, Впечатление. Восходящее солнце

Да, речь шла о новом революционном живописном направлении. Во главу угла становятся цвет и впечатления, а вовсе не детали и «схожесть». Содержание, композиция картины сводились к передаче прочувствованной действительности. Которая выражалась в цвете атмосферы. Появился пленеризм (рисование на натуре, картины часто начинали и заканчивали за несколько часов, а то и меньше, не сходя с места) при котором угол падения света играл важную роль.

Уникальность метода состояла в разделении сложных тонов на чистые цвета спектра. В результате получались плавность цветных теней и чистая светлая живопись. Импрессионисты наносили краски отдельными мазками, при этом использовали контрастные тона. Отличительная особенность работ импрессионистов – эффект живого мерцания красок .

Среди известных художников импрессионизма — Фредерик Базиль, Эдуард Мане, Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Огюст Ренуар, Винсент Ван Гог.

Фредерик Базиль, «Розовое платье» Эдуард Мане, «Бар в Фоли-Бержер» Клод Моне, «Дама с зонтиком» Альфред Сислей, «Аллея тополей» Огюст Ренуар, «Зонтики» Камиль Писсарро, Ржаные поля Понтуаза

Импрессионизму свойственны легкие, быстрые движения руки, кистью ли работает художник или мастихином. Зачастую на картинах художников-импрессионистов можно увидеть отдельные мазки, показывающие ход работы.

Мы влюблены в импрессионизм! И приглашаем вас рисовать картины в этом стиле и слушать интересные истории об импрессионистах на наш курс Современный импрессионизм, старт 18 июля!

Поделиться «Импрессионизм: уроки света и цвета»

Источник

Создание картины в технике импрессионистов

Предлагаю Вам одну из техник, которую можно использовать в живописи.

Для кого этот мастер-класс:

-Для тех, кто имеет основные навыки рисования и хоть немного знаком с масляными красками (это указано в сложности — выше среднего);

-Для тех, кому нравится наблюдать за созданием живописных полотен;

-Для тех, кто не боится экспериментировать;

Материалы: Холст на подрамнике (в моем случае 60х70); Масляные краски; Разбавитель (пинен), кисти, палитра, простой карандаш, ластик.

Сюжет можно выбрать совершенно разный, я взяла сюжет в баре, совмещаю приятное с полезным :-), делюсь опытом и выполняю заказ.

Для начала карандашом наношу основные контуры, если страшно на холсте начинать, сделайте небольшой эскиз, и по клеточкам перенесите на холст. Далее тонкой кистью с разбавителем обвожу контуры и сразу заполняю самые темные места. Ничего страшного, если краска немного потечет. Такие моменты придают работе желаемую небрежность.

Не забываем смешивать краски. Открытые цвета не используем.

Потом с помощью широкой кисти и более жидкой краски начинаем в прямом смысле замазывать все белые места на картине! Фон должен стать грязным. Теперь стоит немного подождать. Пусть краска слегка подсохнет. Когда поверхность не течет, начинаем по темным участкам проходить новыми слоями краски, один слой должен выглядывать из под другого. На примере снизу видно, у одной девушки лицо и освещенная часть прописана, у второй нет.

Потом берем более плотную краску, и наносим ее более плотными мазками, только стараемся не все перекрыть, а в основном на те фрагменты, которые выхвачены светом. Краску можно наносить кистью и мастихином.

Приготовьтесь к тому, что краска будет сохнуть долго. Особенно долго сохнут белила и все красные цвета!

Источник

Рисование гуашью

Как-то я уже писал о мастер-классе Константина Кокеля. Но то занятие было скорее для художников (студентов). А мне не удалось взять с собой краски, и я только со стороны наблюдал за процессом рождения картин на десятке мольбертов.

Нынешняя Художественная школа на Хабе, которую ведёт Наталья Кокель, рассчитана на всех желающих; курс её предполагает обучение с нуля и индивидуальный подход.

Интересная изюминка: каждое занятие — знакомство с очередным художником, его характерным стилем — и выполнение работы в этом стиле, с применением различных художественных материалов. Например, предлагаются такие темы, как:
• Импрессионизм Клода Монэ (акрил);
• Танцовщица в в стиле Э.Дега (сухая пастель);
• Натюрморт с одуванчиками в стиле И.Левитана (темпера).

На нашем пробном занятии была предложена тема осени, и на столике помещался натюрморт с яркими осенними листьями и красками:

А для рисования была приготовлена гуашь. Раньше никогда её не пробовал, разве что в школе, но это не считается.

Первыми моими красками были акварельные. Большой профессиональный набор, который подарил мне двоюродный дед — художник. Он рисовать-то начал в 60 лет, выйдя на пенсию. Так что не надо никогда стесняться и бояться нового!
Но акварель у меня не пошла — интереса особого не было. Честно сказать, я тогда и красот небесных не замечал.
Однако многие изменения в жизни происходят внезапно. Так было и у меня, когда потом, неожиданно, в результате некоего пинка, взял и купил масляные краски. И не зная ничего о технике живописи, о масле и разбавителях, нарисовал фантазию на тему рельефного поля на закате:

И понравилось. И началось, и продолжилось. Но акварель я так и не освоил, в отличие от батика.

Акварелью работать гораздо труднее, чем маслом.
Во-первых, её не закрасишь, если что не так пошло.
Во-вторых, не уберёшь лишнее.
В-третьих, смешивать акварельные краски на картине неимоверно труднее, чем масляные.
Наконец, насыщенность краски меняется по мере её высыхания.

Гуашью оказалось рисовать немного легче, чем акварелью.
Пожалуй, этот материал действительно годится для эскизных работ.

Давайте вернёмся к школе и посмотрим, как рождается картина на осеннюю тему.
Вот первое знакомство с Натальей, она готовит краски к занятиям:

А на мольбертах приготовлены ужасные оранжевые листы!
Это что, на них рисовать?!
Но придётся.

Да и натюрмортов я не люблю. К счастью, предложено самостоятельно выбрать сюжет. Натюрморт здесь только для того, чтобы показать пылающие краски осени.
Ладно. Делаю набросок карандашом. С чем-то похожим на нашу ротонду на набережной (только не Волги, а моря), яблоками на круглом столе, маяком на острове:

У многих есть боязнь белого листа. Говорят, что цветной фон психологически легче воспринимается.
У меня наоборот. Сразу возникает желание полностью закрасить это безобразие.
Понимаю, что целесообразно использовать цвет фона в работе, но практически это у меня так и не получилось.

На палитре готовлю краски для неба:

Рисую небо крупными мазками: хоть раз надо попробовать такой стиль.
Но не получается. Контрастные мазки при высыхании гуаши бледнеют, и растяжка снова получается куда как более плавной, чем я собирался сделать:

Отвлекаюсь, смотрю, что делают другие:
Почти все тоже выбирают свободный сюжет:

Картина соседки смотрится профессионально:

Работают даже технические потёки краски, изображая дождь на окне.
Вот только солнечный свет падает откуда-то из комнаты 🙂

А вот её окончательный результат:

Сама Наталья тоже рисует:

Результат её крупномазковой работы получается импрессионистским. Меня впечатляет, хотя бы потому, что сам так пока не умею, и не смог научиться за все 20 лет:

Продолжаю свою работу (так увлёкся, что забыл фотографировать промежуточные стадии).
Белый камень балюстрады на самом деле не белый, потому что освещается закатным закадровым солнцем с одной стороны, а с другой принимает цвет тёмного неба с тучами. Яблоки остаются на закуску:

Несколькими штрихами оформляю берег с освещённой солнцем лестницей, береговую отмель, другие мелочи. И яблоки, наконец:

Разбрасываю опавшие листья за балюстрадой, подчёркиваю блики на ротонде и маяке:

Снимаю скотч, и рамка из исходного оранжевого фона придаёт картине оригинальный колорит, на который я не рассчитывал:

Ну что же, практически самостоятельное занятие вполне имеет право на существование.
Конечно, я ожидал большей доли обучения. Чтобы показывали: бери то, делай так, смотри, что получается.
Но и «самоподготовка» — это интересно.
Не буду даже заявлять, что всё это я легко могу сделать и дома: мы все прекрасно понимаем, что там обязательно найдутся более срочные занятия.
Поэтому крайне полезен и импульс снаружи!
Спасибо! 🙂

Почему бы и вам, друзья, не попробовать? Удовольствие огромное! А начинать можно в любом возрасте.

Источник

195 лучших картин в технике гуашь, описание, свойства, история краски

Гуашь, благодаря своим уникальным свойствам, — идеальная краска для начинающих художников. Ее состав позволяет живописцам в качестве полотна использовать практически любой материал: стекло, бумагу, дерево, керамику. Познание различных техник позволяет создавать настоящие шедевры. Подтверждения этого — картины известных российских и мировых художников. Расцвет гуаши начинается в XVIII столетии, хотя еще в Средние века живописцы использовали краску с подобным составов для создания книжных миниатюр и портретов.

Что такое гуашь

Специалисты рекомендуют начинать обучение живописи с использования простых материалов, к которым относиться и гуашь. Ее легко наносить на любую поверхность, включая керамику и ткань. Для работы нужны только кисть и вода, больше никаких вспомогательных средств.

Гуашь — водорастворимая краска. В ее состав входят красящие, тонко растертые пигменты, белила и клеевые связующие. Она принадлежит к непрозрачным краскам. Ей свойственен более сильный цвет, чем для акварели.

Основой для создания гуаши стала акварель, в которую ввели титановую белую краску, что привело к увеличению плотности. У рисования этой краской есть специфика – ее пигмент быстро высыхает, приобретая более светлый оттенок.

Свойства гуаши позволяют устранять допущенные недочеты. Для этого нужно подождать высыхания предыдущего слоя и нанести следующий, исправив погрешности.

Мнение современных художников о гуаши разнятся: некоторые считают, что это детская краска. Но на самом деле она представляет собой самостоятельную технику наравне с акварелью. С ее помощью создают красивые натюрморты, портреты, пейзажи.

Происхождение термина

Термин гуашь (от фр. gouache, от итал. guazzo «водная краска, плеск») пришел из Франции, где появился в XVIII столетии, хотя техника живописи гуашью в европейских странах была известна еще в средние века. Гуашь вначале представляла собой один из видов акварели. Для придания плотной фактуры к водяным краскам стали подмешивать белила.

В средние же века клей вводили в пигменты на водной основе. Опытным путем со временем художники выяснили, что порошок мела и цинковые белила делают краску непрозрачной и увеличивают ее плотность.

История создания краски

Книжные миниатюры в Средневековье выполнялись с использованием комбинации гуаши и акварели. Эпоха Возрождения известна применением гуаши для различных подготовительных работ, создания эскизов, а также изготовления миниатюрных портретов.

Живопись гуашью получила свой расцвет в Российской империи в XIX — начале XX века. Именно в этот период живописцы организации «Мир искусства» использовали краску для декораций, плакатов, массивных станковых произведений и т.д.

Гуашь делают из пигментов, в которые добавляют белила и клей. Белила дают ей матовость и бархатистость, однако, когда они высыхают, цвет пигмента становится более тусклым.

Виды гуаши

Гуашь не является краской, обладающей универсальными свойствами. Основа гуаши остается неизменной, но отличаются компоненты в ее различных видах, которые и создают разнообразные эффекты.

Плакатная

Эту краску применяют для изготовления плакатов, театральных декораций. В ее состав включены яркие пигменты и клей, обеспечивающий стойкость. Она быстро сохнет. Благодаря каолину в составе рисунки не выгорают. Плакатной гуашью рисуют на холсте, фанере и картоне.

Художественная

Такой тип относят к профессиональным краскам. С ее помощью можно писать картины большого размера. Ее свойства — матовая бархатистость и высокая покрывающая способность. Одного мазка достаточно для создания яркого насыщенного цвета.

Акриловая

Этот вид гуаши можно встретить не так часто, как остальные, но она обладает совершенно уникальными свойствами. Краску можно наносить на любые поверхности, при этом рисунок выходит яркий и стойкий, ему не страшны даже механические повреждения.

Флуоресцентная

Введенные в состав пигменты делают краски яркими и наделяют свойствами свечения под ультрафиолетовыми лучами. Неоновые краски сами светятся в темноте. Такой вид красок нужно наносить на основу белого цвета, что связано с низкой кроющей способностью.

Свойства и особенности гуашевой краски

Основное достоинство гуаши — способность равномерно покрывать поверхности больших размеров одним оттенком, что делает эту краску фавориткой многих знаменитых художников. Еще одно преимущество – возможность исправить неверный мазок, наложив сверху еще один слой краски.

Однако, есть и ряд недостатков:

• Когда краска высыхает, основной пигмент существенно светлеет. Чтобы научиться правильно подбирать нужный тон при рисовании, придется потратить много сил и времени.
• Если наложить слишком толстый слой краски, при высыхании это приводит к растрескиванию и обсыпанию. Неудачный мазок, исправленный более трех раз, не приживется.

Техники

Гуашевая живопись отличается различными техниками рисования.

Пастозная техника

Характерным для техники является нанесение на поверхность неразбавленных густых мазков. В зависимости от направления мазка фактура будет меняться. Добиться лучшего результата поможет клей ПВА, добавленный в краску. Он будет служить скрепляющим элементом и не позволит растрескаться гуаши.

Сначала следует наносить светлые мазки, после того как они высохнут, художник начинает писать гуашью с темными пигментами. Когда рисунок высох, берут специальный инструмент и расцарапывают им верхний слой краски, чтобы раскрыть нижний. Техника напоминает гравюру и позволяет создавать оригинальные фактуры.

Лессировка

Техника рисования «лессировка» предполагает нанесение в несколько этапов полупрозрачных слоев краски. Максимально допустимое количество слоев – 5. При этом каждый предыдущий слой должен просохнуть перед нанесением следующего. Если не следовать этому правилу, получится «грязный» цвет и рисунок будет испорчен. Правильное выполнение техники позволяет создавать сложные тона и потрясающие картины.

По влажному

Такая техника — привычка для любителей акварели. Ее использование предполагает разведение красок водой больше, чем обычно. На бумагу наносят несколько красок, они начинают растекаться, приобретая интересные формы. Если подобное не происходит, значит краска недостаточно разведена водой. Чтобы этого избежать, можно немного смочить водой бумагу.

Разбрызгивание

Простой метод создания фактуры. Лучше разбрызгивать краску, используя небольшую малярную кисть. Ее погружают в краску, при этом щетинки оттягиваются от картины, а потом резко отпускаются. Происходит распыление облака мелких капель краски. Часть картины, на которую не должны попасть брызги, нужно прикрыть другим листом бумаги.

Можно также выделить «мокрое по сухому», «сухой кистью», зернистость и т.д.

Чем отличается от акварели

На палитре и по внешнему виду гуашь похожа на акварель. Однако, ее поведение в процессе работы больше напоминает масло или акрил. Акварельные работы прозрачные, на них наблюдается переход от светлого тона к темному. В названии этой краски есть слово «аква», то есть вода. Основные свойства — мягкость, текучесть. Картины акварелью получаются нежными и воздушными.

В составе гуаши тоже есть вода, но эта краска обладает совершенно другими свойствами. Работы гуашью создаются путем накладывания на холст непрозрачных мазков. Плотность позволяет накладывать более светлые тона на темные мазки. Используя эту краску, легко исправить погрешности на картине, довольно просто нанести новый мазок поверх старого.

Таким образом, гуашь от акварели отличается плотностью нанесения. Если акварель водянистая и легкая, то гуашь насыщенная и плотная.

История живописи

Искусство гуашью сделало первоначальные шаги во времена средневековых книжных миниатюр. Живописцы Азии и Европы создавали необычайные иллюстрации, добавляя белила в акварель.

Возрождение характеризуется применением гуаши при создании фресок и эскизов картин. В XVI-XVII веках начинает развиваться портретное искусство. Это привело к тому, что ею писали портреты-миниатюры на различных материалах.

В XVIII-XIX веке, комбинируя гуашь с акварелью, авторы картин добиваются того, что их работы выглядят реалистично и выразительно. В середине XIX века начинают активно производить заводскую гуашь. Именно в это время гуашевые краски приобретают свои основные свойства: густоту, матовость и т.д.

В конце XIX — начале XX века великие живописцы активно работают с гуашью, применяя ее для создания полноценных произведений искусства. В России техника гуашью достигает высокого уровня развития. В этот период появляются картины гуашью известных художников, таких как Серов В.А., Головин А.Я., Бенуа А. Я. и другие.

10 лучших художников, писавших гуашью

Эдвард Лир (1812 — 1888)

Английский живописец Эдвард Лир стал первым художником, «оживляющим» чучел. Вместо них он рисовал живых птиц. После того как ухудшилось зрение, Лир начал много путешествовать и обратился к пейзажной живописи.

Джон Рескин (1819-1900)

Английский художник, который совмещал живопись и литературную деятельность. Интерес вызывает то, что при помощи живописи он изучал темы, о которых писал основные книги. Рескин делал эскизы птиц, цветов, гор, почв.

Живописец делал акцент на том, что главным художником является природа и только настоящий гений способен не заслонять собой природу от зрителя.

Роза Бонер (1822-1899)

Французская художница, чьим единственным наставником в живописи был ее отец – художник-пейзажист. С молодых лет Розу привлекало изображение животных. Для 19 века ее картины были уникальными благодаря профессионализму, с которым были выполнены.

Для создания работ художница изучала анатомию животных, занималась препарированием. Сюжеты картин пользовались популярностью в Англии и Америке.

Гюстав Моро (1826 — 1898)

Французский художник-символист, отдающий предпочтение мифологическим и библейским сюжетам. Годы, прожитые в Италии, наложили отпечаток на его творчество. Вдохновение он черпал в работах мастеров Ренессанса (Леонардо, Микеланджело). Позже Моро увлекся изучением орнаментов разных народов мира и историей костюма. Новые знания были интегрированы в работы художника.

Эдгар Дега (1834 – 1917)

Французский художник, один из основателей импрессионизма. Для его творчества характерны: неожиданные предметы, которые заслоняют героев, смещенные композиции, репортажные моменты, схваченные невзначай. Эдгар Дега любил писать движение, его герои на полотнах живут своей жизнью, не подозревая, что на них кто-то смотрит.

Мария Евфросиния Спартали-Стиллман (1844 — 1927)

Английская художница — значимый деятель в викторианском мире искусства. Марию Спартали отличает прекрасная техника и чувство цвета. Основой для написания многих картин были исторические и литературные сюжеты эпохи Возрождения. Ее работы выставлялись наравне с художниками-мужчина, что было несвойственно тому времени.

Луис Уильям Уэйн (1860 — 1939)

Один из самых популярных английских художников XIX-начала XX века, который прославился изображением человекоподобных котов. На его картинах кошки появляются в различных «человеческих» ситуациях: играют в карты, фехтуют, развлекаются на пляже и т.д.

Иллюстрации Уэйна появились в более чем ста детских книгах, рисунки тиражировались на открытках.

Пит Мондриан (1872 — 1944)

Нидерландский живописец, основоположник абстракционизма. Самые известные картины художник написал, используя три цвета – желтый, синий, красный, а также три «не-цвета» — белый, серый, черный. Это геометричные работы, на которых присутствуют линии. Со временем художник отказывается от использования черного цвета.

Пабло Пикассо (1881—1973)

Испанский живописец, один из создателей кубизма. Картины Пикассо входят в список самых дорогих мировых полотен. Его творчество делится на несколько периодов: ранние годы, «голубой», «розовый», «африканский», кубический и пр. У каждого из них есть ряд особенностей, но чаще Пикассо рассматривают именно как основоположника кубизма.

Марк Захарович Шагал (1887 — 1985)

Еврейский художник, живший в России, Франции, Америке и сохранивший свою самобытность. Для Шагала характерен собственный уникальный стиль в живописи.

Одним из символов Марка Шагала стали летающие люди. В различных образах он любил изображать свою жену Беллу и родной город Витебск, который просматривается сквозь парижские и иные пейзажи.

Для полотен Шагала характерны яркие цвета и игры с законами построения композиции.

Российские художники, писавшие гуашью

Борис Михайлович Кустодиев (1878 — 1927)

Творчество Бориса Кустодиева отличает любовь к жанру портрет — картин, на которых окружающий пейзаж или интерьер открывает характер героя. Его полотна отличаются яркостью и жизнерадостностью. Для бытовых сцен характера декоративность и зрелищность.

Работы этого художника излучают здоровье, радость и жизнелюбие независимо от периода, в который были написаны. Среди известных картин, написанных: «Портрет Федора Шаляпина», «Масленица», «Ярмарка»

Казимир Северинович Малевич (1879 — 1935)

Российский художник-авангардист, теоретик искусства, основатель супрематизма. Малевич бросил вызов академическому искусству, экспериментировал на своих картинах, совмещая несочетаемое. Творчество Малевича постоянно менялось и развивалось, он испробовал все направления и стили, которые возникли на рубеже 19-20 веков. Среди известных полотен: «Купальщик», «Автопортрет», «Голова крестьянина».

Судейкин Сергей Юрьевич (1882 — 1946)

Российский живописец, который относил себя к символической живописи. Его картины пронизаны театральностью, балаганностью, которая перекликается с трагизмом. Сергей Судейкин изображал своих героев в резких позах, используя для этого яркие цвета. Среди известных картин: «Венецианские куклы», «Влюбленные при луне».

Всеволод Андреевич Филиппов (1893 –1976)

Главные темы художника Всеволода Филиппова – русская природа, русское зодчество, история Руси. Его картины были впервые представлены на персональной выставке в 1955 году. Мир признал во Всеволоде Андреевиче тонкого пейзажиста и мастера со своеобразным стилем. Известные картины: «Закат», «Бегут ручьи», «Московские дворики» и др.

Валентин Александрович Серов (1965-1911)

Для картин Валентина Серова характерна светлая, «солнечная» интонация. Художник старался в живописи передать все то, что радует глаз человека. Портреты, написанные Серовым, отличаются удивительным сходством, одновременно очень точно подчеркивая черты характера героя. Поздние работы демонстрируют универсальность художника, поскольку не ограничены стереотипами какой-либо школы. Известные картины: «Натурщица», «Зимой», «Похищение Европы».

Источник