Акварели художницы Базановой Елены. Часть 1. Натюрморты с овощами и грибами
Натюрморт для Николая Ивановича
Натюрморт с чили перцем
Натюрморт с тыквой
Букет с тыквенными цветами
Натюрморт с тыквами и айвой
Натюрморт с капустой
Натюрморт с луком
Натюрморт с маленькими тыквами
Натюрморт с тыквой
Натюрморт с тыквами
Натюрморт с кукурузой
Натюрморт с чесноком и луком
Натюрморт с чесноком
Натюрморт с бутылками
Натюрморт с серой тыквой
Натюрморт с луком
Натюрморт с подсолнухами
Натюрморт с грибами
Натюрморт с грибами
Натюрморт с пивом
Елена Базанова – художник с мировым именем, работающий в технике акварели.
Родилась в 1968 в городе Сланцы Ленинградской области.
Закончила Санкт-Петербургский Академический художественный лицей им. Б.В. Иогансона и Государственную Академию живописи, скульптуры и архитектуры им И.Е.Репина (мастерскую книжной графики).
С 1989 года активно работает с издательствами Санкт-Петербурга, c 1996-го иллюстрирует издания для детей.
С 1995 года – член Союза Художников России.
С 2006 года – член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.
Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов
Источник
Акварели Елены Базановой. Натюрморты часть 2.
4. Акварели Елены Базановой. Натюрморты часть 2.
Базанова Елена Серафимовна
С 1995 года – член Союза Художников России.
С 2006 года – член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.
Работы находятся в галереях и частных коллекциях России, Германии, США, Франции, Англии, Швеции, Исландии, Финляндии, Нидерландов, Казахстана.
Награды:
1999 – Приз (Public-Prize) на I-ом Международном Биеннале современной акварели.
2000 – Диплом II степени Правления Союза Художников С-Петербурга на выставке «Молодые художники Санкт-Петербурга».
2001 – Приз (Public-Prize) на II-ом Международном Биеннале современной акварели (Kunststation Kleinsassen, Германия).
2001 – Приз Ландрата области города Фульда (Preis des Landrats des Landkreises Fulda) на II-ом Международном Биеннале современной акварели (Kunststation Kleinsassen, Германия).
2007 – Медаль «120 лет обществу русских акварелистов».
2008 – Гран-при им. академика Вениамина Худолея на IV Международной Биеннале графики в Санкт-Петербурге «Искусство книги с разделом Станковая графика » за представленные оформление и иллюстрации к книге Л.Кэрролла «Приключения Алисы в Стране чудес, рассказанные для маленьких читателей самим автором».
Акварели Елены Базановой. Натюрморты часть 2.
СКОРО ВЕСНА И 8 МАРТА! ВДОХНОВЛЯЕМСЯ!
Источник
paleti
paleti Мастера акварели: Елена Базанова
Известная петербургская художница Елена Базанова родилась в 16 ноября 1968 года в городе Сланцы Ленинградской области, окончила Среднюю художественную школу при Академии Художеств. Потом училась в мастерской книжной графики А.А. Пахомова в Академии Художеств. В 1995 вступила в Союз художников России, в 1996 году начала иллюстрировать издания для детей.
Сейчас Елена – член Общества акварелистов Санкт-Петербурга, регулярно участвующий в сезонных выставках Союза художников, активно выставляющийся как в России, так и заграницей (в Великобритании, Германии, США, Ирландии). На ее счету семь персональных и участие в более чем пятидесяти коллективных выставках в России. Работы художницы находятся в галереях и частных коллекциях России, Германии, США, Франции, Англии, Швеции, Исландии, Финляндии, Нидерландов, Казахстана.
Елена обладатель множества художественных наград: Приза (Public-Prize) I Международном биеннале современной акварели (Германия), Гран-при им. академика Вениамина Худолея на IV Международном биеннале графики в Санкт-Петербурге «БИН-2008″ и другие. Больше информации можно зайти здесь.
— Что было толчком для занятий живописью? Может быть, какое-нибудь яркое (художественное или нет) впечатление из детства?
Как такового толчка, о котором Вы спрашиваете, не было. Акварелью я писала с детства, начиная с шестилетнего возраста, когда я начала ходить в изостудию. Писать акварелью не было для меня чем-то особенным, потому что делала это всегда. Поэтому можно говорить скорее о неких толчках в развитии техники, новых этапах постижения мастерства. Увиденный где-то неожиданный живописный прием, подсмотренный у старшеклассника способ подготовить бумагу к живописи, и непосредственно контакт с преподавателем. Наверно, можно сказать, что более осознанное владение материалом началось у меня в Средней художественной школе, когда живопись вел Игорь Глазов. Именно тогда я окончательно избавилась от страха перед материалом.
— Почему выбрали именно акварель?
Как мне кажется, я чувствую этот материал, это позволяет мне раскрывать его особенности в очень сложных живописных задачах. Именно это напряжение в работе мне кажется привлекательным, управлять стихией воды и краски – самое захватывающее и интригующее в акварельной живописи.
— Менялось ли отношение к технике акварели в процессе учебы и творчества?
Конечно, менялось. Писать акварелью мне всегда нравилось, может потому, что акварельная живопись давалась мне легко. Во время учебы материал воспринимался, как необходимость учебного процесса. Осознание своих возможностей в акварельной живописи пришло постепенно, также постепенно пришло более глубокое понимание самой акварели. Через изучение техники изучала себя, и это теперь для меня единый творческий процесс познания и самореализации, бесконечный путь к совершенству.
— Как происходило становление техники? Был ли кто-то из художников прошлого или современников, кто повлиял на Ваше видение акварели?
Настоящее становление техники началось в Средней художественной школе при Академии Художеств. Там я встретила много талантливых сверстников, у которых тоже училась. Но более всего я благодарна Игорю Глазову, преподавателю живописи, который смог добиться того, чтобы страх перед акварелью и перед собственным «шедевром» навсегда исчез.
В институте совершенствовала владение материалом в сложном жанре портрета под руководством профессора Владимира Старова, в дальнейшем экспериментировала в живописи с разными техниками и материалами, использовала и гуашь, и темперу. К чистой акварели без использования белил вернулась только через пару лет после окончания учебы в ВУЗе.
На мое видение акварели в разное время влияли разные мастера разных эпох и стилей: Петр Соколов, Карл Брюллов, Федор Толстой, традиционная китайская и японская живопись, Эндрю Уайет.
Однако в своей работе не стремилась кому-либо подражать, не создавала себе кумиров, старалась искать свой путь в технике и жанре.
— Часто ли вы знакомитесь с творчеством других художников? Насколько Вас интересуют творческие находки собратьев по кисти?
Мне интересно знакомиться с творчеством профессионалов высокого уровня. Уважаю тех коллег, которые сохраняют и развивают существующие манеры и стили письма, с большим интересом знакомлюсь с новаторскими решениями, с экспериментами в технике. Мне важно и интересно осознанность того, что делает мастер, его профессиональный и творческий подход к работе.
«Ком времени», 2009
— Какова должна быть степень законченности работы? Может ли работа, остановленная на промежуточном этапе, иметь художественную ценность?
«Вещи красивы там, где они неизбежны» – так формулирует один из принципов философии Дзэн в японской живописи Д.Т.Судзуки в книге «Введение в Дзэн-Буддизм» (L.,1932). Для меня это своего рода формула для понимания художественной ценности произведения, уместности сделанного и степени законченности работы. Художник всегда знает, что он хотел сделать в картине, и степень законченности должна соответствовать поставленной задаче.
Однако, творческий процесс может быть непредсказуемым. Здесь творцу важно почувствовать суть происходящего. Случай – это проявление закономерности. Важно вовремя остановиться.
Еще хотелось бы напомнить старое академическое правило: «От частного к целому, от целого к частному». И, как нас учили, если работа идет грамотно, последовательно, то в какой бы момент ее не остановить, она будет иметь пластическую законченность. Также в истории искусства существует огромное количество блестяще выполненных набросков, этюдов, зарисовок, которые по своей сути не являются законченными произведениями, но обладают большой художественной ценностью.
«Натюрморт с улитками», 2009
— Все Ваши работы выполнены по мокрой бумаге. Занимаетесь ли акварелью по сухой бумаге?
Не люблю разграничивать и классифицировать процесс моей работы. Потому что в нем есть все. И живопись по-мокрому и по-сухому. Как правило, основную часть работы веду по сырой бумаге, но ее поверхность может быть и мокрой и сухой, такой, какая мне нужна. Завершается работа натяжкой листа, и тогда что-либо пишется уже по сухой бумаге.
— В каких техниках еще работаете?
Благодаря полученному образованию, я владею самыми разными техниками. Не всеми, конечно, постоянно пользуюсь, нельзя объять необъятное, к сожалению. Люблю делать рисунки мягкими материалами, при иллюстрировании книг часто использую рисование тушью, пером и цветными карандашами.
«Белое на белом», 2009
— Ваше отношение к Академизму? Есть мнение, что академическое образование готовит ремесленника.
Академизм, как классическое направление в искусстве, существует параллельно со всеми другими старыми и новыми течениями. Все направления по-своему хороши и интересны. Все уместно в разной ситуации и при разном настроении, как и музыка. Иногда хочется слушать джаз, а иногда классику. В искусстве уже давно все развивается по кругу. После ухода современного искусства из изобразительного ряда в медийное пространство и открытия выставок «пустоты» вообще трудно представить, что может произойти нового в визуальных, как это теперь говорят, искусствах. Личность творца, его энергия, талант, умение мыслить, профессионализм – вот что по настоящему влияет на результат. Поэтому есть хорошие и плохие картины, есть шедевры и безликие полотна, и есть полная ПУСТОТА. В искусстве именно уровень и качество творения вызывает мой интерес и уважение.
Академия художеств, как ВУЗ, не отделена от страны, в которой находится. Конечно, накопилось много вопросов и проблем, но в какие времена не ругали Академию? Однако, она позволяет получать классическое художественное образование, хотя это вовсе не значит, что каждый выпускник становится настоящим творцом. Обладая набором академических навыков в создании произведений высокого технического уровня художник всегда имеет выбор, в каких целях употребить свой талант и знания. Он может заняться нетворческим рутинным трудом для зарабатывания себе на жизнь, тогда, наверно, его можно назвать ремесленником. И снова приходится говорить о личности творца и его отношении к работе и творчеству, поэтому ни какие обобщения здесь не уместны.
Соглашусь, что сами по себе знания и навыки не сделают из человека творца, но именно академическое образование дает художнику безграничные возможности для реализации своих творческих задач.
Любое образование строится на шаблонности процесса подготовки профессионала, но кто выйдет из стен Академии простой мастер или творец, зависит не от процесса. Любой талант, как алмазный самородок, требует огранки. Но какой ценности получится бриллиант, становится известно только в конце этой работы.
А на рутинность процесса академического образования, мне кажется, сетуют ленивые и далекие от темы люди. Согласитесь, было бы странно если бы спортсмен без ежедневных тренировок и работы над техникой смог бы блистательно выступить на спортивном состязании, а юный музыкант без постоянных тренировок руки, слуха, техники игры смог бы стать виртуозом и покорить концертный зал своим исполнением. Просто каждый должен выбирать свой путь по своему призванию и много работать.
— Насколько, по Вашему мнению, важны базовые навыки рисования формы любителю акварели?
В любом деле важна база. Рисунок – это основа изобразительного искусства, также как математика – основа всех наук. Без первоначальных знаний не возможно развиваться и совершенствоваться, как, например, не возможно без знания правил сложения выучить таблицу умножения или сразу приступить к решению сложных уравнений. Все развивается от простого к сложному.
Акварель – это всего лишь материал, инструмент в процессе изображения чего-либо, при этом материал сложный. Невозможно вести речь о живописи какой-либо формы акварелью без знаний того, как на двухмерном пространстве бумажного листа нарисовать иллюзию трехмерного изображения объекта в пространстве.
Даже, когда речь не идет о реалистическом изображении, а, например, мы говорим об абстрактной композиции, то без базовых знаний рисования и композиции на листе получится некое случайное и хаотическое неосознанное нечто или ничто, не лежащее на пути познания себя и мира. Такая работа теряет всякий смысл.
«Натюрморт с бутылками» (52,5х72), 2002
— Вы проиллюстрировали «Алису в стране чудес». Эти работы совсем не похожи на Ваши натюрморты. Расскажите об этой книге, о технике, в которой сделаны иллюстрации. Были (или будут) ли еще книги с Вашими иллюстрациями?
Я не отношу себя к художникам, которые постоянно навязывают свою манеру изображаемой теме, иллюстрируемой книге. Я двигаюсь по пути создания образа, исходя из сути того, что является предметом изображения или иллюстрирования. От этого появляются и разные пластические решения. Иллюстрация не должна создавать барьера для восприятия текста, особенно в детской книге.
Мой опыт работы в книжной иллюстрации достаточно большой. Начиная со студенческих проектов, я старалась достигать максимального единства иллюстраций с текстом и идеей автора. Так у меня в творческом архиве есть В. Шекспир «Ричард III» (черно-белые линогравюры), А. Платонов «Котлован» (тушь сепия, перо, тонированная бумага). Мне кажется, это вполне сложившиеся проекты, и совсем не похожие друг на друга. В 2004 году издательство «Янтарный сказ» напечатало сборник сказок архангельского сказочника Степана Писахова «Морожены волки», это мой дипломный проект «Не любо – не слушай». Немного ранее, в 1999 году свет увидела книга К.Чуковского «Приключения Бибигона» с моими оформлением и иллюстрациями. Были и другие иллюстрации к разным изданиям для детей.
Конечно, я мечтаю о новой детской книжке, но пока я решила сконцентрировать свои усилия на живописи акварелью, которая, кстати, все же несколько изменилась после «Алисы», приобретя некоторую сказочность мировосприятия и более сложную архитектуру пространства. Очень хочу реализовать идею моей книги с мастер-классом по технике акварели. Похоже, что в этом проекте две мои ипостаси, иллюстратора и живописца, смогут объединиться, плюс еще одна, я – автор текста.
Про мою работу над «Алисой» я могу рассказывать долго. Это интересная история. Если говорить о технике исполнения иллюстраций, то техническое решение исполнения иллюстраций придумалось не сразу. Мои эксперименты привели меня к смешанной технике (серая тушь, перо, акварель, цветные карандаши). Сначала все иллюстрации сочинялись в макете в непосредственной близости к тексту, потом делались подробные тональные рисунки карандашом. После этого рисунок увеличивался и переводился на лист акварельной бумаги. Затем я рисовала контуры рисунка серой тушью.
Дальше велась комбинированная работа с цветными материалами, акварелью и карандашами, с использованием фактур бумаги, которые я создавала с помощью специального инструмента. Так что картинки имеют некий дополнительный объём, слегка напоминающий гобелен. Такая техника родилась во время работы сама собой (я делала несколько пробных иллюстраций в поисках оригинального решения), мне нужно было добиться мягкости в восприятии пространства, сложной цветовой гармонии и точности рисунка в деталях.
— Какое произведение и почему, хотелось бы проиллюстрировать в первую очередь?
С 1994 года я храню мечту проиллюстрировать книгу К.С. Льюиса «Хроники Нарнии». Но эта работа может занять долгие годы, ведь там семь книг с богатым иллюстративным полем. Найдется ли такое издательство, чтобы погрузиться в такой долгий и сложный процесс? Это безумный проект. Почему я хотела бы иллюстрировать именно эту книгу? Наверно потому, что я ее чувствую очень хорошо, ее магия меня увлекает. Я вижу сложную конструкцию внутрикнижного пространства. Но мне много еще надо изучить и, быть может, путешествовать, чтобы собрать необходимый материал для работы. И еще. Данная книга уже стала в моей жизни судьбоносной. Наверно поэтому я не расстаюсь с этой мечтой.
«Натюрморт с яблоками»
— Как Вы пришли к преподаванию? Что было толчком?
Преподавание предусматривает непрерывный системный процесс работы со слушателями. Этого я пока не делаю, слишком мало времени для реализации своих творческих планов. Живой интерес почитателей акварели стараюсь удовлетворить во время коротких мастер-классов. Этот формат общения оказался наиболее приемлем для меня.
Началось все с семинаров по технике акварели в Германии, где впервые увидела, какой большой интерес публики вызывает то, что я делаю.
Постепенно поняла всю серьезность задачи, ведь до сих пор вокруг техники акварели существует множество мифов, стереотипов, публика не всегда способна оценить акварельную живопись, а начинающие свой путь в постижении акварельного мастерства испытывают множество вопросов и проблем.
Мои усилия в направлении просвещения публики реализовались также в академической статье «Сихия воды и краски» , которая опубликована в сборнике «Технологии изобразительных искусств» НИИ теории и истории изобразительных искусств Российской академии художеств в 2010 году. Сборник рекомендован как учебное пособие. Надеюсь, что вскоре завершу написание книги по технике акварели.
— Ваш любимый жанр натюрморт? А как же пейзажи и портреты?
Да, последнее время я много работаю именно в жанре натюрморта. Также пишу портреты животных. Очень хочется сделать новую серию пейзажей и поработать с портретами людей. Так что в моих планах расширение границ жанра.
— Вы работаете, в основном, с натуры. Как происходит процесс, когда Ваш объект – животные?
Это именно тот случай, когда очень помогают все полученные академические навыки рисования: с натуры, без натуры и по воображению. С натуры делаю наброски, зарисовки, редко удается сделать более длительный этюд с натуры, иногда, в несколько сеансов рисую кота в его любимой позе. Собираю материал, включая фотографии, изучаю его, затем делаю подготовительный рисунок, иногда цветной (картон, в размер будущей акварели), после этого перевожу легкий рисунок на лист акварельной бумаги через светостол, потом приступаю к живописи. При этом для меня всегда очень важно эмоциональное впечатление от образа, которое стараюсь удержать в голове во время работы.
«Натюрморт с гранатами», 2007
— Ваш подход к выбору палитры – считаете ли Вы что палитра должна быть ограниченной и пигмент исключительно натуральным?
Моя палитра ограничена выбором только качественных красок. Стараюсь избегать сложносоставных красок. Чем чище цвет, тем лучше. Тогда можно делать качественные цветовые смешения, не страшась грязи в живописи.
Натуральные пигменты, к сожалению, в некоторых красках не возможны на сегодняшний день. Например, дорогой ультрамарин из натурального камня уже давно заменили более дешевые синтетические пигменты. Современные синтетические краски имеют высокое качество, они проходят все необходимые тесты, важно только при покупке отдавать предпочтения производителям с хорошими традициями, которые всегда имеют линию красок, сделанных по старым мануфактурным рецептам специально для профессиональных художников.
— Какие краски у вас быстрее всего заканчиваются?
Кадмий лимонный, кадмий желтый средний, охра желтая, кобальт синий, ультрамарин.
— Причина грязи в акварели?
Многосоставные акварельные краски. Некоторые готовые краски содержат в себе несколько пигментов. Смешав 2 краски, иногда вы получаете «грязный» цвет, т.к. в его составе может оказаться слишком много пигментов.
— Есть ли у Вас приоритеты при выборе акварельной бумаги, красок, кистей?
Качество материалов – самый главный приоритет. Это значит, что материалы должны быть от известных производителей, с мануфактурными традициями.
Использую бумагу ручного литья из 100% хлопка, освобожденную от кислоты, плотностью не ниже 300г/м 2 . Фактуры использую разные, в зависимости от поставленной задачи. Предпочитаю писать на бумаге «Saunders Waterford» CP (холодное прессование, средняя грубость фактуры). Нравится писать на листовом и рулонном торшоне (Torchon или Rough – грубая фактура литья) фирмы «Arches», и на Satine (HP – горячее прессование) этой же фирмы.
В моей палитре в основном отечественные краски «Белые Ночи» фирмы «Невская палитра» (С-Пб), английские «Winsor&Newton» серия «Artist’s» и «Daler-Rowney» серия «Artist’s».
Кисти предпочитаю беличьи, разных размеров круглые и плоские. Из отечественных понравились кисти фирмы «Roubloff».
— Есть ли какое-то особенное послание к любителям акварели?
Акварель – удивительный материал, это знают все, кто пробовал хотя бы один раз писать этими водными красками. Порой совершенно непостижимо то, что происходит в живописи, кажется, что результат совсем не зависит от усердия и вложенного труда. Тем, кто хочет породниться с этой стихией, я хотела бы сказать следующее:
— начиная работу старайтесь правильно и четко сформулировать задачу. В этом половина вашего успеха. Сосредоточьтесь и представьте мысленно ход выполнения вашей работы.
— не бойтесь своих ошибок, учитесь их видеть, анализировать и избегать их в будущих работах.
— изучайте и запоминайте свои удачи, старайтесь их повторять. Только многократный опыт работы даст вам необходимое чувство материала.
— не забывайте, что свободу в акварели вам даст свободное владение рисунком. Тщательно изучайте изображаемые объекты в рисунках, чтобы это не отвлекало во время живописи.
— помните, что у акварели есть два врага: стереотипы и страх. Изучайте различные приемы и манеры, но не следуйте стереотипам, акварель должна быть такой, какой вы ее чувствуете, ищите себя в этом подвижном, эмоциональном и страстном материале. Избавьтесь от страха и забудьте о себе, когда пишете акварелью, думайте только о том, что делаете, о том что видите.
— мыслите мазками, затеками, лессировками, цветом, пластикой, формой, пространством, которое творится у вас на листе.
— попытайтесь испытать погружение в эту стихию Воды и Краски и тогда вы почувствуете, что можете писать то, что хотите так, как вы хотите.
.
Кусочки интервью взяты отсюда и отсюда, а также из статьи Елены Базановой «Стихия воды и краски»
Фотографии с моей доски на Pinterest, где под фотографиями указаны ссылки на авторов
Источник
