Натюрморты современных художников — какие они?
По школьным учебникам мы помним, что натюрморт — это изображение предметов, «неживой природы». В памяти всплывают картины с цветочными букетами и с фруктами, выполненные в реалистичной манере. Потом мы вспоминаем натюрморты, которые видели в музеях, но тоже в первую очередь вспоминается классика — реалистичное искусство.
Но современное изобразительное искусство не стоит на месте. Пишут ли современные художники натюрморты? Какие они? Такие же, как 100-200-300 лет назад? Отчасти — да, отчасти — категорическое «нет».
Почему «да»? Потому что жанр натюрморта как был, так и остается. Это изображение неживой природы. Это определение в теории искусства не меняется, оно статично и стабильно.
А что же меняется? Меняется быт людей, меняются предметы — и это только верхушка айсберга. Главное — меняются стили, в которых работают художники. Меняется их отношение к этому жанру. Появляются новые техники исполнения.
С появлением фотографии художники в большинстве своем перестали ставить своей целью «нарисовать похоже». На первый план вышла уникальность трактовки старых, понятных образов. Какие трактовки могут быть в натюрмортах, спросите вы? А давайте посмотрим!
Мы подготовили обзор натюрмортов художников нашей галереи!
Работа Абжинова Эдуарда «Васильки» интересна своей техникой (холст, масло, воск). В такой технике мало кто работает, она достаточно сложна. Именно воск придает такую фактурность красочной поверхности. Сложный цвет фона (серо-зеленый) — как будто состаренный, припыленный. И на этом фоне ярко-синие васильки! Немного наивно, нарочито неидеально. Никаких парадных глянцевых ваз! Никаких пышных парадных цветов! Тихие, скромные васильки, которые мы больше помним по детству, нежели по сегодняшнему дню. Все это в совокупности — состаренность, припыленность, фактурная восковая поверхность, простые полевые цветы — выстраивает какую-то простую деревенскую историю. Когда все просто. Когда не надо «казаться», а можно просто «быть».
«Натюрморт с гранатами» — работа заслуженного художника Российской Федерации Григоряна Юрия Суреновича. Согласитесь, совсем другая история! И совсем другое настроение. Очень зрелые эмоции. Мы не знаем, о чем думал автор, когда писал эту картину. Да это и не имеет особого значения для зрителя. Ловите свои эмоции, вспоминайте свой опыт. Мы видим спокойную и сложную цветовую палитру. Широкие уверенные мазки краски создают впечатление, что работа написана легко, непринужденно и очень быстро. Вряд ли это так на самом деле. Но опять же — не это важно. Какое настроение чувствуете вы? Какие эмоции? У нас — ощущение ностальгии, светлой грусти — возможно, по детству. Возможно, о родных людях, о родных местах. Совершенно другой натюрморт!
«Balance» — работа еще одного Григоряна Юрия (сына Юрия Суреновича). Этот натюрморт про современность, про идеальный баланс (и про его хрупкость, нестабильность). Вряд ли можно назвать эту работу натюрмортом в его классическом понимании, но у нас не стоит задача сверяться с теорией искусства. Мы думаем, здесь больше не про предметы, а про состояние. Состояние баланса — в настроении, в делах, в жизни. Это не про «натюрморт на кухню», понимаете, да?
«Дыня на закате» — работа художника Ефанова Павла. Какие цвета! Яркий, сочный поп-арт! Выглядит очень современно! Этот натюрморт — про жизнь, которая бьет ключом, про молодость и беззаботность) Полуабстракция-полунатюрморт. Но мы все же явно угадываем ровные ломтики порезанной дыни.
Работу «ХЛЕБЪ» художника Михаила Кабан-Петрова сложно назвать натюрмортом. Она и не является натюрмортом в классическом понимании. Работа концептуальная и философская. Это не просто «я положил кусок хлеба на стол и его нарисовал», как может показаться неискушенному зрителю Для того, чтобы разобраться, как относиться к такого рода работам, нужно ознакомиться с творчеством этого художника, почитать/послушать его интервью. И паззл начнет складываться. Но, повторимся, для неискушенного зрителя это «натюр» «морт» — неживая натура. Мы писали о творчестве Михаила здесь .
Работа «Семь груш» художника Колеватых Сергея. Яркая жизнерадостная композиция! И эту работу можно отнести к натюрмортам. Она напоминает нам компьютерную игру или какую-то другую цифровую иллюстрацию. Ощущение ультрасовременности и диджитала. Согласитесь, существенно отличается от классических натюрмортов, которые мы помним со школы?) В этой новизне и заключается смысл поисков художника.
«Ваза № 3» из серии «Голландия» художника Колистратова Дмитрия. Посмотрите внимательно — ваза разбита и склеена. Хотим обратить ваше внимание, что картина не обязана быть «красивой» — глянцевой, прилизанной и парадной. Зачастую именно неидеальность «делает» настроение и вызывает эмоции. Если бы вы увидели красивую, новую, целую вазу, вы бы подумали «Красивая ваза». И все) А сейчас даже у неискушенного зрителя появятся вопросы — «А почему она разбита? Она сама разбилась или ее кто-то разбил? Зачем ее склеили? Почему это важно?». Все эти вопросы могут наводить на более глубокие мысли — «Можно ли склеить то, что уже было разбито? Профессию? Отношения? Жизнь?»
Разве это просто натюрморт? Это просто про вазу? Просто про неживую натуру? Нет, конечно. Но в основе — жанр натюрморта.
«The gloaming (Сумерки)», художник Корчагин Олег. Черно-белый натюрморт, уходящий в сумеречную синеву. Все вокруг становится одного цвета — предметы, дома, деревья. И чаша на столе — как символ дома, убежища, крова над головой. И дело не в цвете, а в ощущении дома. А возможно, вы вспомните свои личные события. И от этого эта картина станет еще теплее, еще ближе.
Посмотрите также на технику письма: поверхность кажется шероховатой, потертой, неровной — как будто состаренной, напоминающей о старой деревне. Такие моменты тоже очень выделяют работу среди других. Главное — не быть «как все». Для профессионального художника — это смерть.
Работа Сайкова Вячеслава «Артефакт 2» из серии «Быт». Опять же — надо знакомиться с творчеством художника, с его идеологией, чтобы понять, как к этому относиться. Вот здесь написали о Вячеславе статью. Вячеслав не дает своим работам названия. Названия на нашем сайте — очень условны и присвоены работам сотрудниками галереи. Выбирали максимально нейтральные, чтобы название не перебило идею, заложенную в эту серию. Она — про обычные вещи, мимо которых мы каждый день проходим, не замечая их. Ложка, табуретка, чайник. Порой в этих предметах — целая история. Порой — воспоминания. Эти работы тоже нельзя причислить к «обычным натюрмортам». Они — глубже. Но как об этом рассказать неискушенному зрителю? Пока — через более-менее понятное слово «натюрморт».
Работа «Сирень» Скаргиной Лидии ближе к «обычным», классическим натюрмортам. Прежде всего, наверное, предметом: букет сирени — часто используемая тема для натюрмортов. Но техника, в которой выполнены все работы Лидии, выделяет именно этот натюрморт среди прочих сиреней. Техника, близкая к технике импрессионистов. Обращение не к логике (похоже/непохоже), а к эмоциям и чувствам. Поздняя весна, вечер, теплый влажный воздух, запах сирени.
Это лишь часть работ художников нашей галереи, которые мы можем объединить одним словом «натюрморт». Но теперь вы знаете, что они бывают очень и очень разными.
Ниже — некоторые из этих работ в интерьерах. Обратите внимание, как современно они смотрятся.
Источник
Лучшие акварелисты современности: 18 мастеров в одном месте
Валентина Верлато (Valentina Verlato)
Итальянка Валентина Верлато, выучившись на литературном факультете и защитив диссертацию по истории языков, решила всерьез заняться рисованием. С тех пор художница проиллюстрировала книгу, стала участницей многих выставок и зарубежных биеннале. На четвертой акварельной биеннале в Падуе и Международной биеннале премии Marche d’Aqua Валентина получила специальное упоминание жюри. Красочные цветы, деревья с пушистой кроной, гости уличных кафе, солнечные пейзажи, нежные и яркие портреты — ее кисти безукоризненно передают настроение, а акварели излучают свет.
Прафул Савант (Prafull Sawant)
Еще один гость Московского фестиваля акварели — художник из Индии, Прафул Савант. Прафул — лауреат десятков международных и национальных премий в США, Австралии и Индии. Живописец начинал учиться в университете города Насик, затем поступил в школу искусства, где получил диплом в области художественного образования. После окончания обучения он посетил Рим, Париж, Флоренцию. Кроме акварели, Прафул рисует еще гуашью, акриловыми и масляными красками. В своих работах он рассказывает о родной Индии — о ее сухом воздухе, пылком солнце и насыщенных красках суетных городов. Немного «пыльные» пейзажи с легкостью переносят зрителей на далекие улицы Дели и влюбляют в себя с первого взгляда.
Бланка Альварез (Blanca Álvarez)
Из красочной Испании на фестиваль прибудет Бланка Альварес. Акварельные картины этой темпераментной гостьи сильно отличаются от привычных нам пейзажей. Только посмотрите на эти воздушные и светлые картины акварелью: будто бы высвеченные солнцем на бумаге испанские города, дома и растения причудливых цветов, пейзажи с бушующим морем, где одна стихия сливается с другой при помощи красок.
Феликс Шайнбергер (Felix Scheinberger)
Художник Феликс Штейнбергер из Германии с детства обожал музыку и рисование. Когда пришло время выбирать профессию, Феликс уже попробовал себя в роли художника — он проиллюстрировал книгу — и ему понравилось. Поэтому он поступил в университет Гамбурга и стал профессиональным иллюстратором. Сейчас Феликс — автор учебников по акварельному скетчингу для взрослых и детских книг про робкого зайчика Тимми. Феликс рисует акварельными красками не в самой привычной манере: он рисует забавные скетчи в путешествиях, создает зарисовки с людьми и изображает привычные всем житейские сюжеты в необычной манере.
Лорин МакКракен (Laurin McCracken)
Лорин МакКракен — архитектор и художник-акварелист из США. Он учился в Обернском университете и получил там степень бакалавра по архитектуре и искусству, а в Принстонском университете — степень магистра по архитектуре и градостроительству. Его картины выставляются в девяти акварельных обществах США. Он участвовал в международных выставках акварельной живописи в Таиланде, Китае, России, Малайзии, Бельгии и Италии.
Лорин — акварелист-реалист, чьи работы создаются под влиянием фламандских и голландских натюрмортов XVI–XVII веков. Его картины вовсе не похожи на привычные большинству зрителей акварели. Все предметы прорисованы так детально, что кажется, будто это художественная фотография. Сам автор говорит, что его главная задача — показать людям обычные вещи в новом свете с помощью акварели.
Екатерина Зюзина (Ekaterina Zuzina)
Екатерина Зюзина — художница из Белоруссии. Она закончила Национальный Белорусский Технический университет по специальности «архитектор». Но, будучи еще студенткой, Екатерина участвовала в международных художественных выставках и устраивала персональные. Ее работы выставлялись во Франции, Турции, Таиланде. Сейчас Екатерина руководит художественной мастерской VITAJEM в Минске.
Работы художницы — это моменты обычной жизни, запечатленные в акварели. Это особый мир, созданный в творчестве. Каждая картина приковывает к себе — хочется погрузиться в это красочное измерение, увидеть и изобразить которое может только настоящий художник.
Луис Руиз Падрон (Luis Ruiz Padrón)
Луис Руиз Падрон — испанский художник и архитектор родом из Малаги. Луис — автор книг про архитектуру, на страницах которых красуются скетчи из мест, где побывал акварелист. Эти живописные издания выставлялись в Италии, Канаде, Франции и Испании. Кроме творчества, Луис Руиз занимается преподаванием — проводит семинары по скетчингу в художественных школах и университетах. Падрон также участвует в международном проекте Urban Sketchers, который объединяет множество художников по всему миру.
Конек Луиса — быстрые пейзажные наброски: минималистичные скетчи с яркими акварельными акцентами, прекрасно передающие атмосферу далеких городов, их уникальную цветовую гамму.
Следующий гость фестиваля — китайский художник-акварелист Лю И. Он родился в Шанхае, где учился на художественном факультете Восточно-Китайского педагогического университета, а после работал преподавателем в шанхайском колледже Искусства и Дизайна. Его картины удостоены множества наград, в том числе высшей награды Седьмой национальной выставки изобразительных искусств и высшей награды Китая на выставке акварельной живописи. Картины Лю продаются на аукционе Sotheby’s и хранятся в Национальном музее Китая как национальное достояние.
Неудивительно, что на акварелях Лю И изображены родные для художника пейзажи — размеренный, яркий и в то же время сдержанный Китай. Герои его картин — люди и их особое настроение, которое легко передается зрителю. Только посмотрите!
Ла Фе — необычный художник из Таиланда. Свои картины он начал выставлять лишь в 2013 году, спустя десятки лет после окончания факультета живописи и скульптуры университета Silpakorn в Бангкоке. После первых же выставок акварелиста заметили ценители искусства, и уже в следующем году его работы увидели жители Рима, Парижа, Брюсселя — на 14 персональных выставках.
Чем же Ла Фе столь необычен? В последнее время он рисует преимущественно одни розы. За долгие годы работы акварелью он, кажется, достиг вершины мастерства, и, как он говорит, может нарисовать любую розу, используя всего три цвета — желтый, синий и красный.
Мария Коскиньеми (Marja Koskiniemi)
Мария Коскиньеми — художница из Швеции финского происхождения, переводчица по образованию. Акварельной живописью Мария стала увлекаться после 40 лет. Чтобы овладеть этим непростым материалом, посещала курсы рисования и мастер-классы. И уже с 1997 года Мария организовывает персональные выставки. Ее работы хранятся в музеях Испании, России, Финляндии и Швеции.
Художницу вдохновляет финская природа и особенно море, которое она так часто изображает. Акварели Марии — это экспрессия, насыщенные цвета и загадки финских пейзажей, которые чем-то напоминают и живописную природу русского севера.
Эудис Коррейя (Eudes Correia)
Эудис Коррейя — художник из Бразилии, поселившийся в Лиссабоне. Карьеру он начал еще в юности — работал графическим дизайнером и иллюстратором, но со временем стал уделять практически все свое внимание акварели. Этим он занимается до сих пор.
Главные герои акварелей Эудиса — обыкновенные прохожие: туристы и коренные жители, дети и взрослые, мужчины и женщины. Художник разглядывает в них, незаметных для обывателя, индивидуальные особенности и с легкостью переносит на бумагу.
Творчество Эудиса находит своего зрителя во всем мире: художник пользуется популярностью на международных мероприятиях и проводит семинары в разных городах Европы.
Игорь Сава (Igor Sava)
Игорь Сава родился в 1973 году в Котовске, на территории бывшего СССР. В 1993 году он окончил обучение в художественном училище им. Ильи Репина в Кишиневе, а в 1999 году, после окончания факультета графического дизайна в Румынии, переехал в Рим. В итальянской столице Игорь учился на факультете живописи в Академии изящных искусств. Он до сих пор живет и работает в Риме, принимает участие в различных персональных и групповых выставках и привлекает акварельными работами все больше поклонников по всему миру.
Михал Яшевич (Michał Jasiewicz)
Михал родился в 1977 году в городе Новы-Сонч в Польше. По профессии он архитектор, а живопись для него — любимое хобби, страсть и часть образа жизни. В работах Михала сосуществуют поэтичный и реалистичный взгляды: на рисунках автора — блики света на фасадах домов, мерцающая водная гладь, тяжелые дождевые тучи. Эти акварели — про ощущения, а не про конкретные объекты. Возможно, именно поэтому Михала Яшевича часто приглажают на мастер-классы и семинары как в Польше, так и за рубежом, а картины художника хранятся в европейских, китайских и американских коллекциях.
Сэс Фарре (Cesc Farré)
Сэс Фарре — архитектор, выпускник престижной Высшей технической школы архитектуры Валле в Барселоне. В его портфолио — проекты различных зданий и архитектурных конструкций, художественные инсталляции и, конечно же, акварельные рисунки. В копилке Сэса множество наград, а его имя знакомо не только испанской публике, но и ценителям искусства во всем мире. Сэс два года жил и работал архитектором в Алжире, а в 2014 году вернулся в Испанию. С тех пор он обитает в Мадриде, регулярно проводит мастер-классы и семинары по акварельной живописи и графике, участвует в конкурсах по всему миру и выставляет свои работы к удовольствию поклонников.
Инки Ливз (Inky Leaves)
Строго говоря, это не настоящее имя известного ботанического иллюстратора. На самом деле под ником Инки Ливз (в переводе с английского — чернильные листья) скрывается Джес Шепард. Ее рисунки отличаются высочайшим уровнем детализации.
По признанию самой Джес, в процессе работы над иллюстрацией она сама старается стать растением — еще до того, как кисть коснется бумаги, она подолгу наблюдает за своими «моделями» и старается уловить все тонкости.
Картина для художницы — это отражение не только внешнего вида представителей флоры, но и передача впечатлений от прикосновений к лепесткам, звуков шуршащей листвы, запахов бутонов и тончайших движений растений. Все эти элементы Джес старается учитывать при создании ботанических шедевров. Помогают ей и широкие познания в биологии, которую художница предусмотрительно изучала, прежде чем полностью посвятила себя живописи.
Источник
