Акварели Елены Базановой. Натюрморты часть 2.
4. Акварели Елены Базановой. Натюрморты часть 2.
Базанова Елена Серафимовна
С 1995 года – член Союза Художников России.
С 2006 года – член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.
Работы находятся в галереях и частных коллекциях России, Германии, США, Франции, Англии, Швеции, Исландии, Финляндии, Нидерландов, Казахстана.
Награды:
1999 – Приз (Public-Prize) на I-ом Международном Биеннале современной акварели.
2000 – Диплом II степени Правления Союза Художников С-Петербурга на выставке «Молодые художники Санкт-Петербурга».
2001 – Приз (Public-Prize) на II-ом Международном Биеннале современной акварели (Kunststation Kleinsassen, Германия).
2001 – Приз Ландрата области города Фульда (Preis des Landrats des Landkreises Fulda) на II-ом Международном Биеннале современной акварели (Kunststation Kleinsassen, Германия).
2007 – Медаль «120 лет обществу русских акварелистов».
2008 – Гран-при им. академика Вениамина Худолея на IV Международной Биеннале графики в Санкт-Петербурге «Искусство книги с разделом Станковая графика » за представленные оформление и иллюстрации к книге Л.Кэрролла «Приключения Алисы в Стране чудес, рассказанные для маленьких читателей самим автором».
Акварели Елены Базановой. Натюрморты часть 2.
СКОРО ВЕСНА И 8 МАРТА! ВДОХНОВЛЯЕМСЯ!
Источник
Многослойные натюрморты художника, который смог «приручить» акварель
Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.
Художник Сергей Николаевич Андрияка широко известен в мире не только как один из талантливейших мастеров академической акварельной живописи, но и как прекрасный педагог и организатор, создавший в Москве уникальную Школу и Академию акварели, которым нет аналогов в мире. В нашей публикации — галерея восхитительных работ российского акварелиста, талантливого педагога и продолжателя династии.
Именно благодаря Сергею Андрияке, акварель в наше время в России обрела новую жизнь и заняла достойное место наряду с масляной живописью. Причем не только по критериям востребованности, но и по своим колоритным качествам, по образной содержательности и даже по размерам. Художник сумел настолько превосходно продемонстрировать зрителю уникальные возможности этой техники, что иногда даже сложно поверить в то, что его изысканные и эмоциональные работы выполнены акварелью.
Помимо творческих достижений Сергей Николаевич Андрияка получил широкую известность, как педагог и создатель специализированной Школы акварели (1999), а немногим позже и Академии акварели и изящных искусств (2002), где готовят молодых художников-акварелистов. Вот уже более 20 лет этот удивительный человек живет творческими замыслами, идеями, проектами, внедряя их в свою методику работы с молодыми талантами. И при этом он неимоверно счастлив, когда с кистью в руке садится перед белым листом бумаги, чтобы дать мастер-класс или же создать свою работу в любимой технике.
Мастер акварельной живописи также много лет является действительным членом Российской Академии Художеств, Народным художником России, ректором, созданной им Академии и художественным руководителем Школы акварели. Его произведения экспонируются в различных странах мира и хранятся во многих музейных собраниях России и за рубежом, а также в частных коллекциях.
О художнике
Родился будущий художник в июле 1958 года в семье Заслуженного художника РСФСР и преподавателя школы Московского художественного института имени В.И. Сурикова Николая Ивановича Андрияки, который преподавал мастерство живописи с самого основания школы (1939).
Рисовать маленький Сережа начал в возрасте шести лет, вдохновляясь работами отца, который, разумеется, оказал огромное влияние на выбор профессии сына. Упор был сделан на акварель, которая и стала любимой техникой художника в будущем. В 1976 году юноша окончил Московскую среднюю художественную школу при институте имени В.И. Сурикова. А спустя год, в 1977 году, неожиданно умер отец, и Сергею пришлось совмещать дальнейшую учёбу в МГХИ (факультет живописи) с работой.
Вначале 80-х Сергей Андрияка трудился в Творческих мастерских при академии художеств, а уже ближе к средине перешел на преподавательскую должность. Параллельно читал лекции в институте имени Сурикова и Московской средней художественной школе. А в свободное время много работал, как художник, — писал пейзажи и замечательные натюрморты.
Призвание — учить других
Это пришло, само собой. Набравшись колоссального опыта, Сергей неожиданно решил, как и его отец, — учить других. Так пришла идея создания учебного заведения для начинающих художников. В 1999 году Сергей Николаевич Андрияка основал в столице первую и пока единственную в стране Школу акварели собственного имени. А спустя три года выступил инициатором и основал Академию акварели и изящных искусств имени Сергея Андрияки. И вот уже на протяжении более двух десятков лет талантливый акварелист учит своих учеников художественному мастерству и премудростям профессии.
» . И это действительно парадокс. Скажу больше — не только в России, но и во всём мире нет такого специального вуза, где живопись акварелью была бы основным предметом. Понимаете, Школа акварели, которую я создал, работала постоянно, но не имела продолжения. Поступать выпускнику Школы было некуда. Поэтому я и решил восстановить справедливость «,- так объясняет Сергей Николаевич причину, по которой создание Академии было жизненно необходимым.
Академия акварели, ректором и преподавателем которой Андрияка является и по сей день, готовит молодых художников по его собственной программе. И он, давая мастер-классы, как мудрый наставник, щедро делится своими знаниями и богатым опытом со своими учениками. К слову сказать, в 2005-м Сергей Николаевич за заслуги на профессиональном поприще получил звание народного художника Российской Федерации.
Несколько слов о творческих изысканиях
Творческую карьеру художник начинал с работы масляными красками, гуашью и темперой. Занимался также мозаикой, витражом, офортом, росписью по фарфору и эмали. В итоге остановился на акварельной живописи.
Опираясь на традиции и технические приемы мастеров классической многослойной акварели, Сергей Андрияка в своей работе стал использовать послойные лессировочные прописки по сухой или просохшей поверхности бумажного листа, совершенно избегая белил.
Следует также отметить, что свои завораживающие акварели Андрияка пишет с помощью тонких колористических переходов, таким образом, передавая световоздушную среду, что превосходно придает натуралистичность изображениям и в пейзажах, и в натюрмортах, которые являются основными жанрами творчества мастера. Однако есть у Сергея Николаевича в творческой копилке и превосходные портреты, которым присуща глубокая психо-эмоциональная окраска.
Однако самым излюбленным жанром художника являются акварельные натюрморты, которые на всех выставках заслуживают самых позитивных откликов. Особенное очарование и нежность зритель ощущает, глядя на цветочные композиции мастера, где скромные букетики ромашек и ландышей, или же роскошные букеты пионов, королевских ирисов и хризантем словно источают благоухающий аромат.
Завораживает зрителя и разнообразие русской природы. Здесь можно увидеть и радость мартовского пробуждения, задумчивость и некоторое умиротворение октября и кристально чистое сияние январского снега. Неимоверно впечатляет величие и красота старинных православных храмов, восточные темы, западноевропейские сюжеты. Многие работы мастера посвящены архитектуре как российских, так и зарубежных городов. Нужно отметить, что у художника отличная профессиональная зрительная память, и он нередко рисует по памяти, причем зачастую без предварительного рисунка карандашом.
Творчество Сергея Николаевича Андрияки открывает зрителю красоту окружающего нас прекрасного мира. Игра цвета и света, изящество линий и ответственный подход к композиционному построению — вот тот фундамент, на котором стоит сам педагог и учит стоять своих учеников. Бережно храня секреты художников прошлого и творчески, отталкиваясь от современных тенденций, художник-педагог развивает как в своем творчестве, так и в творчестве своих студентов новаторские идеи и технические приемы, а также популяризирует многослойную акварельную живопись.
Глядя на работы мастера, понимаешь, насколько сложен и кропотлив его труд. Сколько нужно сил, терпения и мастерства, чтобы так изумительно писать. Это уму непостижимо. А вот немаловажный фактор в творчестве, как вдохновение, думается, он наверняка черпает в своих учениках, которые когда-то придут ему на достойную смену.
Для многих, наверняка, будет интересна судьба еще одного московского художника, который в 1987 году основал в столице высшее учебное художественное заведение — Российскую академию живописи, ваяния и зодчества им. Ильи Глазунова. В свое время его «глазуновский фирменный стиль» одних — восхищал, других — возмущал и раздражал, третьи — и вовсе держали нейтралитет, но при этом никто не оставался равнодушным.
Об удивительной судьбе автора грандиознейших полотен, заставивших ожесточенно спорить общественность, читайте в нашей публикации: Две стороны одной медали: малоизвестные страницы жизни и творчества Ильи Глазунова
Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:
Источник
Как нарисовать натюрморт акварелью
Перед нами постановка, состоящая из группы разных предметов: эмалированный, побывавший в употреблении голубой кувшин, оранжевый гранат, доля дыни и драпировки на столе — бледно-голубая и коричневая. Фоном служит белая стена с бледно-желтой тканью.
Кувшин и гранат по своему цвету определенны и ясны: они более, чем остальные предметы, насыщены по цвету. Окраска других предметов сложнее. Их цвет нельзя получить, не составляя смесей: например, стол или пестрая коричневая ткань за гранатом слабо насыщены по своему цветовому тону.
Сделав постановку, определите место, с которого вы будете писать. Вначале выбирайте такие положения, чтобы свет, полутон и тень в натуре определялись четко. Наиболее выгодно боковое освещение натуры, при котором количество света и полутона вместе занимает большее место, чем тень.
Эскиз выполнен в технике а-ля прима — в раз. В нем намечены, как говорят, основные большие отношения тени и полутона. По этой подготовительной работе можно проследить мысли автора: определена композиция (расположение предметов на листе, количественное отношение окружающего фона и переднего плана). Намечены различия цветов теплых, холодных, насыщенных и слабо насыщенных. Оранжевый гранат подчиняет себе другие теплые и слабо насыщенные тона. То же происходит и с холодными.
На кувшине намечены тень, полутень и свет, определена разница в светлых тонах драпировки переднего план а и стены. Автор пытается и свет, и тень, и полутона на предметах выполнить различным цветом, а не просто утемняя или усветляя один и тот же цвет. Широкая плоскость среза дыни на первой же стадии работы дает возможность почувствовать ее сочность и влажность.
Попытайтесь и вы поставить и решить для себя аналогичную задачу, может быть, ограничив вначале количество предметов: например, возьмите синий кувшин, светлую голубую драпировку и кусочек дыни или тыквы.
Следующая стадия работы — рисунок на планшете. Прежде чем к ней приступить, утвердитесь в композиционном решении, сделав в своем альбоме несколько пробных эскизов. Для перенесения эскиза можно воспользоваться вспомогательными линиями, как указано на рисунке.
Набросав рисунок, выверьте правильность пропорций, перспективы, а также масштаба предметов. Затем обязательно нанесите наиболее характерные детали и планы. Эта работа может занять у вас первый сеанс. Затем приступайте к работе красками.
Обратите внимание на про межуточную стадию выполнения натюрморта. 
С чего начать? Учитывая особенности акварельной живописи, отличающие ее от живописи масляными красками, лучше начать с предметов, имеющих яркую определенную окраску. В нашей постановке такими являются кувшин и гранат, поэтому в нахождении их цвета легче избежать ошибок. Стена и желтая ткань на столе менее определенны по цвету, поэтому, начав с них, мы могли бы написать их цвети ее, чем они в действительности по отношению к целому, и тогда сразу нарушились бы цветовые отношения натюрморта. Цвет кувшина и граната можно взять в полную силу. Это сразу задаст общий тон колориту, так как наряду с насыщенными цветами в свету и в полутенях здесь есть и сильные тени, которые о преде ляг нам крайние регистры для синего и красного.
Кувшин, будучи голубым, имеет разные оттенки: в свету — одни, в полутени — другие, в тени цвет уже не голубой, а фиолетово-синий, а в каких-то частях даже зеленовато-коричневый (под влиянием рефлексов). Поэтому, чтобы нам эти различия установить вернее, старайтесь все время видеть весь кувшин. Подбирая цвет для освещенной части, смотрите на кувшин, охватывая его вместе с фоном, чтобы выявить основной контраст силуэта по отношению к стене (насколько кувшин в свету темнее стены, какими по цвету воспринимаются стенай кувшин).
Одновременно помните, что краска по высыхании высветляется, а потому берите ее несколько сильнее, чем он а вам представляется в натуре.
Проложив свет, устанавливайте полутень, а затем тень. При прорисовке света нужно иметь в виду, что он может несколько захватывать полутени. Последующий цвет полутени перекроет эти места. В свою очередь, полутень может захватывать собой места будущей тени. Восприятие теней на кувшине в разных его частях под воздействием рефлексов будет различаться и по светосиле, и по оттенку цвета. Старайтесь путем сравнения найти цветовые различия, а потому не пользуйтесь смешением одних и тех же красок, с тем, чтобы цвета для тени, полутени и света различались не только по светосиле, но и по характеру цветового тона.
Прописав кувшин или часть его, таким же образом пропишите гранат и опять, охватывая взором весь гранат, отмечайте различия оттенков оранжевого в светах, в полутени и в тени. Освещенные места граната будут относительно более холодными, розоватыми, полутень -оранжевой, тени — более красными. Одновременно, работая над тенями граната, смотрите и на коричневую ткань, на фоне которой он лежит. Это сравнение по может вам видеть взаимные отличия тонов и объединяющие их признаки.
Начиная писать дыню, сравните ее с фоном — стеной, тканью на стене и с блюдцем. Что светлее — плоскость среза дыни или стена? А что холоднее по цвету — стена, дыня или блюдце? Каковы различия? А что в той же дынецветнее — срез ее или корка? Так, все время задавая себе вопросы и находя ответы, наблюдая натуру, ведите работу дальше.
Так же, путем сравнения, определите и цвет блюдца, находя в натуре сходные с ним тона. Сравните свет и тени на блюдце с цветом стены. Одновременно устанавливайте различие его цвета по яркости с окружением.
Если не следовать системе в наблюдении натур и такие слабо окрашенные тона будут восприниматься вами то теплыми, то холодными, в зависимости от того, на какой цвет перед этим вы смотрели. Вот почему рекомендуется нейтральные цвета сравнивать с нейтральными.
Проложив последовательно цветом весь этюд, проверьте его на расстоянии, поставив рядом с натурой. Что-то вас не вполне устроит какие-то части не будут убеждать решением формы или окажетсд что по цвету они нарушают единство общего тона, возможны несоответствия в решении пространств а или света.
Подтягивайте такие места до полного завершения так, чтобы решение во всех частях вас устраивало. При этом следите, чтобы наносимая краска ложилась по сухому, не тревожа, не размывая нижележащий слой (рис. 4).
Цвет призван выражать форму, поэтому каждый мазок краски кладите, сообразуясь с рисунком, с характером поверхностей, ограничивающих предмет.
В цветной акварели сложнее определить ошибки, а значит, и исправить работу. Здесь единство и гармония слагаются изо всех признаков цвета: цветового тона, его светлоты и насыщенности. Какой-то цвет, будучи правильно найденным по светлоте, может быть неточным в то же время по другим качествам: по оттенку или насыщенности.
А бывает и так, что вы правильно написали отдельный предмет, но не удалось верно взять окружающий его фон или соседний с ним предмет, тогда общая гармония нарушена, все кажется фальшивым. Что исправлять, что к чему подгонять? Вопрос сложный, и не только для начинающего. Переписывать весь этюд? А где гарантия, что удастся не повторить ошибки, если не понять причины неудачи? Поэтому, работая цветом, необходимо с первых шагов приучать себя к порядку в работе, проверять себя непрестанно в ходе всего этюда от первого до последнего мазка. Как вести сравнения? Не по контрастам (их нужно лишь иметь в виду), а по родству взаимных признаков: теплые с теплыми, холодные с холодными, светлые со светлыми, темные с темными, слабо насыщенные со слабо насыщенными.
Устанавливайте в натуре самые цветные по насыщенности участки для теплых и холодных тонов. Держите их в поле зрения, определяя от них производные. Ведь в цвете законы контраста действуют особенно активно, поэтому одна ошибка влечет за собой механически другую.
В первом задании работы цветом мы подробно разобрали ведение, этюда в акварели от начального замысла до его завершения.
Мы еще раз подчеркнем ту мысль, что живопись заключается не в изолированном копировании того или другого участка или цветового пятна натуры. Необходимо устанавливать связь между всеми цветами, руководствуясь методом одновременного сравнения, сличая тона цвета по их насыщенности, оттенку и светлоте. Поэтому и дальше будем все время тренировать свой глаз, приучать его охватывать в натуре не узкий участок, а более широкий, с тем чтобы только путем сравнения делать вывод о том или ином характере цвета.
Одновременно следите за величиной и формой каждого цветового пятна и мазка кисти. Найденный цвет должен максимально точно выражать форму, обусловливаться границами рисунка. Пусть вас не смущает на первых порах, может быть, неизбежная вначале неуверенность, а иногда даже и сухость исполнения, перегруженность деталями.
С опытом, с практикой этих недостатков можно избежать, но зато это избавит от преждевременной «мастеровитости», верхоглядства, никчемной ловкости кисти и от вкусовщины, когда внешняя красивость подменяет подлинное глубокое изучение натуры.
Источник
