Современные стили рисования
С овременное искусство — предмет множества шуток, потому что его часто можно не узнать. Оно, как и прежнее искусство, складывается из множества стилей и направлений. Стили эти набрали популярность и развивались в перевернувшемся мире живописи второй половины XX века. К ним относятся концептуализм, поп-арт, перфоманс и другие. Очевидная и значимая их особенность заключается в частом отсутствии самого созданного руками художника произведения искусства. Удивительно, правда? Давайте посмотрим на современные стили рисования с примерами!
После середины века
После эпохи модерна и перевернувшей все Второй мировой войны старые идеалы были оставлены позади. В Западном мире от духовных ценностей люди резко переключились на материальную действительность, что заметили чуткие к переменам художники. Последним направлением, тесно связанным с человеком, в середине 1950-х годов стал абстрактный экспрессионизм. В картинах этого стиля переживались вопросы бытия. Их художники эмоционально выплескивали на холст (Джексон Поллок «Номер 17А»; «Номер 1А», 1948). Картина становилась чистым воплощением человеческих чувств. Это направление было торжеством живописного искусства.
Но форма, в которой бы выразилось новое время оказалась совсем другой. В конце 1950-х родился поп-арт — искусство времени перепроизводства. Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Ричард Гамильтон использовали масс-маркет как объекты художественного осмысления. Они делали произведения лишенными личных переживаний и автомифов художника (Рой Лихтенштейн «Бам», 1962).
Люди оказались окружены рекламой и продуктами потребления, из этого теперь строилась действительность, но как к ним относиться? Уникальность нивелировалась (Энди Уорхол «Банки супа Кэмпбелл», 1962), а человеку нужно было соотноситься с окружающим его миром. Представители поп-арта попробовали сделать атрибуты действительности частью искусства, и эта идея сработала (Питер Блейк «На балконе», 1955-1957, «Источники поп-арта», 1967). Происходило включение не-искусства в искусство, наслоение культурных кодов. Узнаваемость брендов делала этот стиль популярным в самых широких кругах.
Искусство переходило в массы. Не нагруженное личными смыслами и символами, оно стало доступно всем. А это делало возможным провести разговор о культуре на понятный каждому язык! Минимализм произошел из поп-арта. Творцы продолжили использовать открытия поп-артовцев, более радикально отходя от старых принципов уникальности и авторства в своем творчестве. Картины минималистов отличались объективностью, простотой формы и потенциальной повторяемостью. Они были больше всего похожи на обезличенные продукты серийного производства. Минималисты даже не создавали картин и скульптур своими руками, они только использовали готовые элементы композиции, так что авторство нарочито устранялось (Дональд Джадд «Untitled», 1988, Дэн Флавин «Монумент, посвященный В. Татлину», 1966; Сол Левитт «Настенные чертежи», 2006). Эти работы мог бы сделать любой человек, следуя указаниям. Произведение искусства в руках минималистов стало представлением идеи, перестав быть представлением своего автора. Не зря Ролан Барт в это же время сделает заключение о «смерти автора». И правда, его роль в новом искусстве максимально мала.
Идея как искусство
П родолжением обозначенных процессов явился современный стиль рисования Концептуализм (от лат. «conceptus» — понятие) (1960-1970-е). Продолжение концептуального направления живет в искусстве и сейчас, пробуя задавать зрителям новые концепты. Его представители были нацелены на исследование идей и процессов в обществе, что часто приводило к отсутствию законченного художественного текста (живописи, скульптуры или другой вид искусства) в привычном смысле. Для концептуалистов главным в произведении была идея, а ее воплощение — чистая формальность (Джозеф Кошут «Один и три стула», 1965; «Неон», 1965).
Эти рассуждения остро обозначили сложность языков искусства. Если всякая идея об искусстве может быть художественным объектом, то художественным произведением картина или книга становится не сама по себе, а благодаря заложенной внутри идее (Марсель Бротарс «Разговоры, тексты, копии», 1972–1973; Джон Балдессари «Картина для Кублера»)!
К чему привело такое направление мыслей художников? На свет появились ставшие героями анекдотов спорные шедевры: стул и фотография заметки с определением понятия «стул» из словаря с приложенной к ним фотографией стула. А ведь это модель любого языка! Взаимодействие трех элементов: значение (статья) — обозначаемое (стул) — обозначающее (фотография). Концептуализм не был однородным течением, его нельзя было вместить в четкие формальные рамки (потому что форма больше не была иконой). Поэтому внутри концептуализма объединялись разные направления:
- перформанс (performance — исполнение / выступление) — направление, в котором в качестве объекта искусства выступают заранее продуманные действия самого художника (Леди Гага пришла на премию в платье из мяса; Йоко Оно, «Cut Piece», 1965). Часто перфоманс представляется в форме уличных выступлений.
- хэппининг (happening — событие) — выступления или другого рода события, происходящие при участии художника, но спонтанно, без продуманного сценария. Зритель становится активным участником события и от него многое зависит (Жан-Жак Лебель «Событие», 1966)
- реди-мейд (ready made — готовый) — художник представляет уже готовый предмет из повседневной жизни в качестве произведения (Марсель Дюшан «Фонтан», 1917). В результате такого представления объект из бытовой сферы переходит в художественную, что рождает новые смыслы.
В это же время, в Италии конца 1960-х, появляется арте повера — бедное искусство. Его представители были против массовой культуры и индустриализации. Они снова обратились к поискам мифов и символов, которые бы наделяли смыслом человеческую жизнь. Художники интересовались простыми формами и природой в поисках содержательности современной жизни (Джузеппе Пеноне «Дверь в дереве, кедр», 2012). Человек и окружающий его мир вновь превращались в объекты искусства. Но уникальным было в арте повера использование природных материалов: камней, простых тканей, песка и др. Зрители становились участниками постановки, отражаясь в зеркальной поверхности картины (Микеланджело Пистолетто «Стоящий человек», 1962, 1982). Сопричастность делает произведение более эмоционально нагруженным.
Посмотрев на разнообразие направлений, подумайте, как найти свой стиль рисования! Может, взять краски и попробовать отыскать его прямо сейчас? Как бы ни менялись стили живописи, искусство всегда в моде.
Ещё:
*Картины известных художников взяты из свободного доступа в интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.
Источник
Школа рисования
Базовые знания каждого художника и иллюстратора
Основные стили рисования — как выбрать что-то для себя
- Автор ★ Летта
- 30 ноября 2018, 18:51
Этот пост отражает мои взгляды на действительность и никак не связан со стоковым рисованием. Скорее это краткий гайд для просто рисующих людей, которые хотят быть именно иллюстраторами, поэтому вся информация подана исходя их этого факта. Пост не является исчерпывающей инструкцией, но может натолкнуть на интересные мысли и идеи. Приступим.
Когда человек уже прошел стадию «ничего не могу, одни каракули» и приступил к стадии «что-то получается, но что дальше делать не знаю» можно подумать о стиле рисования. Раньше делать это бессмысленно, а вот именно в этот момент самое оно.
Чем может помочь выбор стиля:
- появляются конкретные задачи, решив которые, можно эффективно прокачать свой уровень.
- появляется более четкое понимание, чего же хочет душенька
и за что платят деньги
Но будьте аккуратны, это может сработать и в обратную сторону, а именно убить вашу индивидуальность и окажется лишь боль, разочарование и впустую потраченные годы, так что ко всему нужно подходить с головой.
Итак, стили. На самом деле их гораздо больше, но я попробую рассказать про самые основные и крупные.
Реализм
Ну тут, в принципе, все понятно, рисование максимально близкое к оригиналу. Некоторые считают этот стиль самым сложным, я лично к таким людям не отношусь, потому что на мой взгляд тут многое решает техника, а не воображение и идеи. Есть еще гиперреализм, это когда совсем один в один и невозможно отличить где картинка, а где предмет или фотография. Как ни странно, на такое тоже спрос есть. Стиль реализма может очень хорошо сработать в концепт-арте. Есть еще такое понятие, как семи-реализм, это рисование в реалистичном, но все стилизованном стиле, как раз широко используется в гейм-индустрии. Очень советую почитать вообще в целом про реализм в живописи, он имеет много интересных направлений, например таких, как магический реализм и не только.
Если вы хотите стать реалистом, то стоит обратить максимальное внимание на:
- пропорции и анатомию (не только человека, но и всего, что есть вокруг)
- живопись, причем идеально если вы будете работать в дидже, но не обязательно
- понимание света и тени
- академический рисунок
Декоративный стиль
Допускает более-менее вольные интерпретации окружающей действительности, часто плотно связан с орнаментами. Подходит для журнальной иллюстрации, книжной иллюстрации для старшего возраста и для взрослых. Требует внимательности, аккуратности, отлично сочетается с реализмом и делает его на мой вкус более интересным. Хотя провести грань между реализмом и декоративным стилем порой очень сложно, если учитывать, что семи-реализм это уже уход в декоративность, поэтому часто бывает, что эти два стиля тесно сплетаются вместе, но это не обязательно.
Если это ваше, то стоит прокачивать:
- анатомию
- тон
- цвет
- орнаменты и их построение
- работу с контуром
Гротеск
Интересное направление, требующее подготовки, но дающее интересные результаты. Смысл в том, что вы преувеличиваете или преуменьшаете некоторые объекты рисунка, сосредотачивая на них внимание, изменяете пластику фигур и объектов. В данный момент гротеск широко используется в журнальной графике, картинках для веб проектов и еще много где.
Качать необходимо:
- пластическую анатомию (то есть анатомию поз и движения)
- композицию, особенно динамическую
- перспективу
- цвет и тон
- свою фантазию
Очень хорошо развивается на текущий момент, подходит детским и журнальным иллюстраторам. Наив хорошо понимают дети, поэтому всякие умильные зверюшки это сюда. К сожалению многие думают, что наив — это когда не умеешь рисовать и это в корне неверное понимание, на мой взгляд. Для качественного наива важно уметь рисовать и понимать что ты делаешь и для чего.
Что нужно прокачивать
- навыки стилизации
- работу с формой и силуэтом
- цвет
- работу с текстурами
Минимализм
Еще один простой на первый взгляд стиль, требующий ума) Используется в журнальной графике, веб-иллюстрации и в дизайне. Хорошо работает в паре с гротеском или наивом. Требует аккуратности и чувства стиля, развиваемого насмотренностью. Хорошо работает в векторной иллюстрации.
Качать:
- композицию
- чувство формы
- работу с линией и контуром
- цвет и тон
- последнее время популярен минимализм с текстурами
В галерее я собрала несколько примеров в том числе смешения нескольких стилей в одной картинке. Чтобы понять, что близко именно вам, попробуйте собрать на пинтересте доску с иллюстрациями, которые вам нравятся и соотнести их с описанными выше стилями. Как вы уже поняли стили можно смешивать ради более интересного результата. После этого упражнения попробуйте четко придерживаться выбранного стиля в нескольких своих иллюстрациях. Как только вы поймете, что результат вам нравится, выражает ваши идеи и рисовать в нем комфортно — вам станет гораздо проще работать дальше.
Надеюсь пост оказался вам полезным и поможет найти что-то прекрасное в себе и своих работах!
Источник
